47 meters down (2017)

 

Dans le registre des films à sensation, voire d'horreur, le film "de requin" est une catégorie à part entière, au sommet de laquelle trône l'indépassable "Les dents de la mer". De ses (trop) nombreuses séquelles à des tentatives plus honnêtes comme "Peur bleue" ou "Instinct de survie", les requins, et plus spécifiquement le Carchardon carcharias, ou grand requin blanc, a terrorisé des millions de spectateurs, à tort, d'ailleurs. Récemment, "47 meters down" a connu un joli succès outre-Atlantique, au point d'avoir droit à une suite. Néanmoins, il n'eut pas l'honneur d'une sortie en salles en France. A tort ou à raison.

Lisa et Kate, deux sœurs, sont en vacances ensemble au Mexique. Quand l'opportunité leur est offerte d'observer les grands requins blancs, enfermées dans une cage de protection, elles tentent l'aventure, malgré les réticences de Lisa. Mal leur en prend puisque la cage va chuter jusqu'au fonds marins, à 47 mètres de profondeur. Voilà les deux sœurs en grand péril : le temps leur est compté et les requins rôdent. 

Le postulat de base de "47 meters down" est simple et on ne saurait lui reprocher d'être malhonnête.  Il va s'agir pour les protagonistes du film de se sortir du mauvais pas où elle se sont fourrées, alors que les difficultés s'accumulent. Sur ce schéma classique, nombre de réalisateurs ont fait des propositions et les échecs furent nombreux, notamment pour cause de surenchère : même improbable, les péripéties se doivent de maintenir un certain équilibre, faute de rompre le fil du suspense. Bien que se permettant pas mal de facilités, "47 meters down" se sort plutôt bien de cet exercice et Johannes Roberts, son réalisateur, joue de façon maline avec les nerfs des spectateurs. 

Sans disposer de moyens faramineux, "47 meters down" maintient la plupart du temps la tension et n'offre que peu de temps morts. Les deux actrices principales, Mandy Moore et Claire Holt, dans des rôles qui auraient pu tourner à ceux de potiches prises au piège, offrent une prestation honorable, même si la psychologie de leurs personnages reste peu approfondie (mais le genre empêche pareille introspection). 

Si l'on passe sur les nombreuses incohérences et invraisemblances du scénario, l'exercice de style s'avère plutôt réussi et on se surprend à appréhender ce qui va tomber sur les deux malheureuses, au fond de l'eau, alors qu'autour d'elles rôdent les dents de la mer. Initialement prévu pour une sortie en vidéo uniquement, le film fut finalement projeté en salles aux USA, et connut un succès tel qu'une suite fut tournée. Le destin de "47 meters down" fut tout autre, de ce côté-ci de l'Atlantique : on pourra s'en lamenter, pour peu qu'on goûte ce genre de cinéma. 

Mary (2015)

 

Réalisateur remarqué du joli "500 jours ensemble" et récupéré depuis par la grosse machine Marvel, Marc Webb s'est offert un intermède, entraînant avec lui Chris Evans (alias Captain America) pour nous narrer "Mary". Loin des héros en collants et des films parfois dégoulinants d'effets spéciaux, ce petit film ("Gifted", dans sa version originale) n'a pas eu l'audience des autres films de Marc Webb, n'en ayant pas non plus l'ambition. 

Mary a sept ans et est surdouée, pour tout ce qui concerne les mathématiques. Sans doute cela lui vient il de sa mère, qui s'est donnée la mort alors qu'elle n'avait que six mois. Mary vit avec son oncle, Franck, qui l'aime plus que tout, et va dans une école "normale", où elle donne parfois du fil à retordre à son institutrice. Mais Mary est-elle à sa place ? Ne lui faudrait-il pas intégrer une école spécialisée ? Ne mérite-t-elle pas de vivre dans un cadre plus confortable que la modeste maison de Franck?

Loin des exploits de Spider-Man et de ses confrères, "Mary" est un film à hauteur d'homme, voire d'enfant, puisque c'est autour de la petite Mary et de son oncle que tourne l'intrigue. Et elle est maigrelette, l'intrigue en question, mais ce n'est pas là que se trouve la richesse de "Mary". Si ce film vaut le détour (et, à mes yeux, il le mérite largement), c'est parce qu'il a le mérite d'aborder des sujets que le cinéma grand public évite avec soin. Le sort de cette petite fille, trop intelligente, mais déjà fort secouée par la vie, est au centre de "Mary" et vaut qu'on s'y attarde. 

Malgré un enjeu plutôt mince, on se prend d'intérêt pour "Mary", pour peu qu'on aie envie (ou besoin) d'une histoire à échelle humaine, sans pathos, mais avec une véritable tendresse pour ses personnages. Aucun d'entre eux n'est parfait (y compris la petite héroïne) : ils sont simplement humains, parfois dépassés, se trompent souvent, mais continuent d'avancer, tant bien que mal, sur le chemin qu'ils tracent ou qu'on trace pour eux. 

La prestation de ses interprètes, et particulièrement de la petite McKenna Grace, d'une fraîcheur et d'une spontanéité remarquables, est pour beaucoup dans le charme qui se dégage de "Mary". L'épatante Octavia Spencer (vue aussi dans le très bon "Les figures de l'ombre") donne une énergie folle aux quelques scènes où elle apparaît, tandis que Chris Evans, débarrassé de sa combinaison de Captain America, montre une belle sobriété dans le rôle de l'oncle parfois dépassé, toujours aimant. Jenny Slate, dans celui de l'institutrice apprenant de sa petite élève autant qu'elle lui enseigne, est également pour beaucoup dans le charme qui se dégage du film

On pourra regretter que "Mary" s'englue par moments dans des séquences judiciaires qui l'alourdissent inutilement et que ce joli petit film frôle parfois le mélodrame tire-larmes, mais l'ensemble est plutôt réussi et souvent touchant. Malgré un sujet qui pourrait faire qu'on passe à côté de ce petit film, "Mary" dispose d'un vrai charme, en grande partie venu de ses interprètes. .Voilà (encore) une belle surprise venu de la frange la moins tapageuse du cinéma américain.

Otez-moi d'un doute (2017)

La famille, voilà un thème qui a déjà alimenté et continuera longtemps d'inspirer le cinéma. De "Little Miss Sunshine" à "Un air de famille", les films sont nombreux à explorer les liens entre ceux d'un même sang. A l'intérieur de ce registre, la paternité n'a pas démérité, quant à son traitement sur le grand écran. Les pères ont eu droit à de nombreux films et "Ôtez-moi d'un doute", réalisé par Carine Tardieu (dont le joli "Du vent dans mes mollets" avait fait belle impression) aurait peut-être mérité plus de succès lors de sa sortie en salles. C'est le moment de se pencher sur ce film, mené par François Damiens et Cécile de France.

Démineur en Bretagne, Erwan va devenir grand-père et sa fille tient à élever son enfant toute seule. A l'occasion d'un test de dépistage, Erwan apprend que son père n'est pas son géniteur. Après enquête, il découvre que ce dernier vit non loin et qu'il est lui aussi père d'une jeune femme, au charme duquel Erwan n'est pas insensible.
Voilà donc notre futur grand-père dans une drôle de situation, coincé entre deux pères et une femme qui pourrait bien être sa sœur...

Le matériau de base qui nourrit "Ôtez-moi d'un doute" est riche et rend hommage aux pères, quel que soit leur âge et leurs choix. Qu'il s'agisse de celui qui tient son monde à bout de bras (François Damiens, étonnamment convaincant), de ceux qui regardent leur progéniture de loin (Guy Marchand et André Wilms, souvent touchant) ou d'un père en devenir (Esteban, surprenant), c'est bien d'eux qu'il s'agit ici. Ces pères sont incarnés par autant d'acteurs qui sont le meilleur atout de ce film, auquel la romance annoncée sur l'affiche n'apporte finalement pas grand chose.

On sent, par moments, la "patte" de Michel Leclerc (à qui l'on doit "Le nom des gens" et "La vie très privée de Monsieur Sim"), coscénariste sur ce long métrage : les personnages sont profondément humains et ce qu'ils traversent permet d'évoquer l'ordinaire, avec ce qu'il contient de drôle ou de touchant. C'est néanmoins un sentiment d'inabouti qui prédomine, sans doute parce qu'en voulant enrichir son propos sur la paternité par une romance problématique, Carine Tardieu se tire une petite balle dans le pied. Tout cela est bien gentil mais, à force de jouer avec les quiproquos et les situations téléphonées, cela finit par émousser l'intérêt initial qu'on pouvait avoir à "Ôtez-moi d'un doute".

La réalisatrice, signe ici un film qui se prend parfois les pieds dans le tapis. C'est d'autant plus agaçant que son précédent long métrage, "Du vent dans mes mollets", en explorant le territoire de l'enfance, était plus réussi, bien que plus casse-gueule. Évoquant la paternité, ce film avait pourtant un riche potentiel et l'exploite maladroitement. N'eût été le charme de ses interprètes, ce panorama des pères n'aurait rien d'inoubliable.

Roulez jeunesse (2017)

Placer un personnage dans une situation compliquée et lui mettre maints bâtons dans les roues, voilà un procédé comique usé jusqu'à la corde. A lire le pitch de "Roulez jeunesse", porté par Eric Judor et réalisé par Julien Guetta, on pouvait penser qu'il s'agirait d'une énième déclinaison de ce modèle. Je vous avoue m'être laissé prendre au jeu et avoir visionné "Roulez jeunesse" sur cet a priori. La présence de l'acteur principal jouant en la faveur d'un pitch pas forcément vendeur, allais-je avoir une bonne surprise ? Ce film serait-il un bon moment de cinéma ? 

Alex travaille comme dépanneur dans le garage tenu par sa mère, dont il ne s'est toujours pas détaché. Un jour, il tombe sur le véhicule de Prune, en panne et, de fil en aiguille, se retrouve dans les bras de la jeune femme, qui l'entraîne chez elle. Au réveil, la jeune femme a disparu et Alex se retrouve en compagnie de ses trois enfants, dont un bébé. Pour lui qui n'est pas ce que l'on peut appeler un adulte responsable, voilà une drôle d'aventure qui commence. Comment Alex va-t-il se sortir de ce guêpier ?

Un héros pris au piège des circonstances et devant affronter maintes épreuves, voilà un ressort des plus classiques, en matière de comédie, et on en a vu plus d'un se casser les dents sur ce type d'exercice. Seulement, "Roulez jeunesse" a plus d'un tour dans son sac et n'est pas qu'une simple comédie, et c'est sans doute ce qui sauve le film. Alors qu'une comédie choisirait de tracer tout droit sur le chemin entamé, quitte à brûler toutes ses cartouches et à tourner à vide, "Roulez jeunesse" a l'excellente idée de prendre un virage audacieux, mais logique, à mi-course. Les péripéties du héros, qui auraient pu n'être exploitées que sous un angle burlesque, voient leurs causes et leurs conséquences éclairées au grand jour. Le drame est là, tout proche, et l'émotion pointe le bout de son nez. Avec elle, "Roulez jeunesse" prend une épaisseur inattendue et finalement bienvenue.

Avec ses personnages attachants, parce que très humains, le film de Julien Guetta tente une proposition audacieuse, mais réussit l'exercice d'équilibriste qu'il s'impose. En usant de tact et de sensibilité, "Roulez jeunesse" réussit une petite prouesse que nombre de comédies n'arrivent plus à réaliser. Pour un premier long métrage, la performance est à saluer. 

Si la composante émotionnelle est l'un des atouts de ce film, parce qu'elle est dosée au milligramme près, l'interprétation est l'autre clef de sa réussite. En tête d'affiche, Eric Judor en surprendra plus d'un dans le rôle de cet adulte devant prendre une situation inattendue à bras-le-corps et se mettre à agir plutôt que subir. Dans son sillage, on appréciera également la très belle interprétation des jeunes acteurs endossant le rôle des enfants perdus.

On peut encore être joliment surpris par un film, français qui plus est. Avec "Roulez jeunesse", Julien Guetta réussit un joli coup, qui aurait mérité un accueil plus chaleureux lors de sa sortie au cinéma. Porté par un Eric Judor décidément surprenant, ce film qui mérite qu'on fasse le détour.

Les dents, pipi et au lit (2017)

On pourrait croire, en regardant l'affiche de "Les dents, pipi et au lit", qu'on a affaire à une comédie dont le héros serait pris à parti par de terribles bambins. Même son titre, légèrement régressif, peut laisser penser qu'en visionnant ce film, ce sont les zygomatiques qui vont être sollicités. On ne sait que ce ne sera pas forcément très fin, mais on devrait rire. Enfin, on l'espère, et c'est toujours ça de pris. En l'occurrence, lorsque sortit ce film, l'affiche ne suffit pas à attirer les spectateurs dans les salles et le premier (et dernier à ce jour) long métrage d'Emmanuel Gillibert

Célibataire endurci, fêtard et dragueur invétéré, quadragénaire immature, Antoine est en colocation avec son ami Thomas. Quand ce dernier doit partir, Antoine voit débarquer une nouvelle colocataire : la jolie Jeanne. Mais, rapidement, Antoine déchante : la belle, récemment divorcée, est suivie par ses deux enfants. D'abord pris au dépourvu, il décide rapidement de réagir et de se débarrasser des intrus pour retrouver sa vie d'avant. Mais c'est sans compter Cupidon, qui pourrait bien mettre son grain de sel dans cette histoire...

Comme je le signifiais en introduction à ce billet, si l'affiche laisse penser que "Les dents, pipi et au lit" est une comédie basée sur la rencontre problématique entre deux modes de vie (le choc des cultures, rien de tel pour générer le comique, depuis toujours ou presque), le pitch sollicite un autre genre, tout aussi éculé : la comédie romantique (eh oui, la revoilà !). Comme s'il avait consommé prématurément tout le carburant comique de son postulat de base (le célibataire irresponsable aux prises avec deux enfants en jeune âge), Emmanuel Gillibert change rapidement de braquet et s'aventure sur un autre registre. Cela dit, pourquoi pas ? 

Faisons rapidement le tour du propriétaire : les principaux ingrédients de la comédie romantique sont là, qu'il s'agisse des deux protagonistes que tout oppose a priori, de l'appartement qui fait rêver (ou en tout cas qui dépasse de loin la moyenne), ainsi que les multiples obstacles s'opposant à la romance (sans oublier la rupture provisoire, ultime épreuve incontournable du genre). Après ces checks, vient le constat, plutôt amer : "Les dents pipi, et au lit", avec son titre crétin, ne fonctionne pas, mais alors pas du tout.

Le duo choisi pour donner corps à cette romcom qui se voulait acide ne joue pas non plus en sa faveur. Tous deux échappés du petit écran, Louise Bourgoin et Arnaud Ducret ne parviennent pas à convaincre, engoncés qu'ils sont dans des rôles caricaturaux, écrits pour alimenter les situations pseudo-comiques, mais sans profondeur et, surtout, bourrés de clichés. 

Rarement drôle, souvent gênant, "Les dents, pipi et au lit" donne plus l'impression d'être une succession de gags où les pires clichés s'accumulent. C'est comme si on avait tenté de faire un film avec un échantillonnage de sketchs pas forcément du meilleur niveau. Pire encore, les dits sketchs semblent avoir été coupés au montage d'une des pastilles télévisées (vous savez, ces productions qui permettent aux chaînes de nous faire ingurgiter un peu plus publicité). Inutile alors de s'étonner du piètre résultat que pareille démarche donne sur grand écran. 

Gaston Lagaffe (2017)

La bande dessinée a le vent en poupe, sans cependant nourrir ses auteurs, malheureusement. Sauf exception, d'ailleurs, ces derniers ne touchent rien lorsque leur oeuvre est adaptée sur d'autres médias, soit dit en passant. Il ne faut donc pas forcément se réjouir de l'adaptation de tel ou tel album parce que l'auteur n'en tire souvent (au mieux) qu'une plus grande visibilité ou (au pire) se fait trahir définitivement. L'adaptation toute récente de "Gaston Lagaffe", qui s'est soldée par un échec cinglant, est un beau cas d'école. En tant que bédéphile amateur, il est quelques auteurs que je révère tout particulièrement : l'immense Franquin en est. J'ai grandi avec ses albums et les relis régulièrement avec délice. A l'instar des aventures d'Astérix, celles de Gaston Lagaffe, en plus d'être drôles, ont un supplément d'âme et d'esprit que l'on ne retrouve pas partout, loin s'en faut. J'attendais avec crainte son passage au grand écran. 

Au Petit Coin, startup dynamique débarque un nouveau stagiaire : Gaston, nonchalant et inventif, paresseux et souriant, a tôt fait, par ses boulettes, d'irriter Prunelle, le patron. Pourtant, il pense bien faire, le jeune Gaston, et ne fait jamais exprès de déclencher des catastrophes. Ainsi, s'il fait échouer systématiquement la signature des contrats par lesquels Monsieur de Mesmaeker compte racheter le Petit Coin, ça n'est jamais volontaire. Il est comme ça, Gaston, gentil, mais gaffeur. 

Fallait-il adapter Gaston Lagaffe au cinéma ? La question mérite d'être posée, tant le passage au grand écran s'est maintes fois avéré catastrophique pour le neuvième art. Et des gaffeurs attachants, à l'écran, on en a déjà vu plein, souvent incarnés par le génial Pierre Richard, souvent mis en scène (parfois ad nauseam) par Francis Veber. Était-il nécessaire d'adapter ce monument de la bande dessinée, à part pour tenter de siphonner un filon juteux ?

Les aventures de Gaston Lagaffe tiennent en général en une page, voire moins : Franquin réussissait le tour de force de composer un gag en peu de cases, chacune d'une richesse incroyable (relisez les albums, vous dis-je). En faire un long métrage relève de la profanation, si vous voulez mon avis. 

C'est qu'on a affaire ici à une trahison sur de nombreux plans : qu'il s'agisse des décors (c'est à croire que Gaston Lagaffe s'est fait rattraper par l'esprit start-up, où tout est propre et lisse et où on travaille en open-space), du scénario inepte, alimenté par des gags qui ne fonctionnent que rarement, ou des effets spéciaux souvent ratés et dont on se serait bien passé. "Gaston Lagaffe" (par l'équipe des "Profs", on peut donc parler de récidive !) est un exemple d'adaptation ratée et inutile.

Il y avait déjà eu, par le passé, une adaptation de Gaston ("Fais gaffe à la gaffe !", désavoué par Franquin lui-même) : l'échec avait été flagrant, mais n'avait pas servi de leçon. Cette nouvelle adaptation a valu à son équipe les foudres de la fille d'André Franquin, mais je doute que le tirage d'oreilles leur ait servi de leçon. 

Ceux qui ont eu l'idée de s'en prendre à Gaston (et à Franquin) n'ont plus que leur honte pour eux. Espérons qu'ils ne récidivent pas.
M'enfin !

A l'heure des souvenirs (2017)

Quand on explore son passé, en regardant dans le rétroviseur, il est bien des choses qu'on ferait autrement. Nombre de films se sont essayé à l'exercice qui consiste à renvoyer un personnage à ce qu'il était. Le très britannique "A l'heure des souvenirs", avec dans le premier rôle Jim Broadbent, fut l'occasion, il y a peu de temps, d'avoir une nouvelle version de ce jeu de miroir. Quand la vieillesse arrive, comment regarde-t-on sa jeunesse ? A-t-on des regrets, des remords, des fiertés ? Ce film ayant eu peu de succès à sa sortie, voici l'occasion de se pencher sur son sort.

Tony Webster, vieil homme tranquille et futur grand-père, voit sa routine bousculée le jour où , dans son testament, la mère de Veronica Ford, son premier amour, lui lègue un journal intime. Plus étonnant encore : il s'agit de celui d'Adrian, qui fut autrefois le meilleur ami de Tony. Alors ce dernier veut comprendre le pourquoi de cet héritage. En cherchant les raisons de ce geste, il va explorer ses souvenirs, ses secrets, ses fantômes...

Ritesh Batra, déjà aux commandes du très chouette "The lunchbox", adapte ici un roman, "Une fille qui danse", de Julian Barnes, qui cherchait, dans son livre, à explorer les petits arrangements que l'on fait avec son passé. Le résultat est un film plutôt réussi, parfois troublant, souvent émouvant et profondément humain. Doté, en plus d'un ton so british qui est pour beaucoup dans le charme qui se dégage de cette histoire, toute en mélancolie. 

Certes, quelques longueurs sont à déplorer et on pourra pointer du doigt quelques facilités, mais l'ensemble du long métrage est de bonne facture et permet de passer un moment agréable, parfois doux-amer, mais "A l'heure des souvenirs" ("The sense of an ending", dans sa version originale), sans être inoubliable, est un joli petit film. 

Et puis, il y a Jim Broadbent, second rôle souvent remarqué (tout le monde se souvient du père de Bridget Jones ou des ses passages dans la saga Harry Potter), qui trouve ici un rôle lui allant comme un gant. A lui seul, incarnant un homme sur le seuil de la vieillesse, il justifie le visionnage de "A l'heure des souvenirs".

Certes, ce film ne marquera pas le septième art et risque fort de ne pas impacter la mémoire de ceux qui l'auront vu, mais il a un charme fou et une grande humanité. Beaucoup ne peuvent en dire autant.

Papillon (2018)

Pourquoi le cinéma actuel produit-il tant de remakes ? Compte-t-il sur l'amnésie des cinéphiles, gageant qu'ils auront oublié les films originaux ? Espère-t-il faire mieux que la fois d'avant ? Ou, et je penche pour cette hypothèse, manque-t-il cruellement d'audace et d'imagination, en se disant que c'est dans les vieux pots qu'on fait les meilleures soupes (et qu'il faudra la vendre, la soupe en question ? Je ne compte plus les remakes ou les reboots (leurs cousins proches), ces dernières années, mais bien peu nombreux sont ceux qui ont prouvé leur pertinence. Qui osera affirmer que "Total recall", version 2017, dépasse la version de 1990 ? Qui se souviendra, dans quelques années, des "Sept mercenaires", cuvée 2018, alors que le film de Franklin J. Schaffner fait figure de monument ? Récemment, ce fut au tour de "Papillon", d'après le roman d'Henri Charrière, d'être l'objet d'une nouvelle version : pour le coup, ça n'a pas déchaîné les foules.

Paris, années 1930 : Henri Charrière, dit "Papillon" à cause du tatouage qui orne sa poitrine, tombe dans un piège. Accusé à tort du meurtre, il est condamné au bagne. Avec ses compagnons d'infortune, dont l'escroc Louis Dega, qu'il a pris sous sa protection, Papillon va se retrouver à Cayenne, dans de terrifiantes conditions de détention. Dès lors, il n'a plus qu'une obsession : retrouver sa liberté. Malgré la violence, malgré l'ombre de la guillotine, malgré la jungle et la mer, Papillon va tout faire pour s'évader. 

Il est difficile, pour un réalisateur, de se voir confier pareil projet. Michael Noer, cinéaste danois, déjà repéré dans son pays pour des films comme "R" (qui traitait déjà de l'emprisonnement) ou "Nortwest", a droit à un baptême du feu de haut niveau, en se voyant confier se remake. La première version de "Papillon", datant de 1973 (l'année du décès d'Henri Charrière), restait indépassable aux yeux de bien des cinéphiles, et risque de garder son statut, malgré la bonne volonté évidente du réalisateur. S'acharnant à donner le maximum de réalisme à son film, à force de violence et de crasse, sans doute pour l'ancrer dans la réalité de l'époque. Le résultat est paradoxal, puisque malgré les moyens mis à sa disposition, Noer ne réussit pas à donner à son film le supplément d'âme nécessaire. S'il ne doit rester qu'un "Papillon", ce sera celui de Schaffner. 

Il est difficile également de passer derrière derrière le jeu tout en nerfs de Steve McQueen, dans le classique de 1973 : Charlie Hunnam, jouant du muscle et de l’œil qui pétille, n'arrive hélas pas à la hauteur de son illustre aîné. Malgré tous ses efforts et tout ce qu'il entreprit pour s'immerger dans son personnage, celui qui porte sur ses épaules le film n'a hélas pas le charisme nécessaire. Face à lui, dans un rôle secondaire, mais indispensable, le même constat s'applique à Rami Malek, qui assume tant bien que mal la difficile succession de Dustin Hoffmann. L'ombre des deux géants écrase leurs successeurs, j'en ai bien peur. 

Au final, "Papillon" est un remake pour rien, bien en-dessous de son modèle, et surtout d'une utilité bien discutable. Il serait temps que l'industrie cinématographique cesse de se réfugier dans la facilité (quoique je doute que les conditions de tournage aient mérité ce qualificatif, en l'occurrence), et ose donner leur chance à des réalisateurs et scénaristes défrichant de nouveaux territoires. Tout le monde en sortirait gagnant.

Madame Hyde (2017)

Il est des classiques de la littérature qui font régulièrement l'objet d'une nouvelle relecture au cinéma. On ne compte plus les avatars de Dracula, par exemple. Le romande Robert Louis Stevenson, "Le cas étrange du Dr Jekyll et de Mr Hyde", également au nombre de ces classiques, a fait récemment l'objet d'une nouvelle adaptation, en toute discrétion. Serge Bozon, qui m'avait déjà laissé perplexe avec "Tip top", retrouve ici Isabelle Huppert, lui offrant le rôle titre de "Madame Hyde". Cela ne suffit pas à assurer le succès du film. 

Madame Géquill, timide et peu sûre d'elle, est professeur de physique dans un lycée professionnel et n'a aucune autorité sur ses élèves, qui ne la ménagent pas. Si son mari la soutient, son encadrement professionnel ne lui est d'aucune aide et chaque cours est pour elle un échec. Lors d'une expérience, la pauvre est frappée par un éclair. Dès lors, va se développer chez elle une nouvelle personnalité, tandis que rôde alentour une étrange femme de lumière.

Point n'est besoin d'être expert en littérature pour comprendre que "Madame Hyde" est une énième adaptation du roman de Robert Louis Stevenson, qui fit les beaux jours du cinéma fantastique (souvenons-nous de Spencer Tracy dans ce rôle mémorable, pour n'en citer qu'un exemple). En l'occurrence, c'est plutôt avec de gros sabots que Serge Bozon y va. La frêle Madame Géquill, effacée et timorée, s'illumine lorsqu'elle devient Madame Hyde, quitte à provoquer le pire.
So what, comme disait l'autre ?
Que nous raconte le film de Serge Bozon, que les autres n'ont pas dit ? En s'aventurant sur le terrain social (puisqu'il évoque le parcours scolaire de jeunes en difficulté), on pouvait penser qu'il apporterait une pointe de nouveauté et qu'il ferait de ce matériau quelque chose de neuf. Il n'en est rien, hélas : l'assemblage ne fonctionne pas. Si la faute en incombe essentiellement à un scénario qui tourne en rond et est souvent plein de vide, la mise en scène est aussi à pointer du doigt. 

Quelque chose sonne "faux" chez "Madame Hyde", tant dans la réalisation que dans l'interprétation. Cette impression, plutôt désagréable, d'artificialité laisse le spectateur sur le côté et l'empêche d'embarquer dans l'histoire proposée. Les comédiens donnent l'étrange impression d'être livrés à eux-mêmes, et de ne pas adhérer à l'histoire qu'ils interprètent. Malgré son immense talent, j'avoue avoir été surpris qu'Isabelle Huppert soit récompensée à Locarno pour ce rôle, tant il en est d'autres ou elle fut brillante. Derrière elle, il faut se rabattre sur les plus jeunes acteurs de la distribution pour trouver un (petit) motif de satisfaction, tant les seconds rôles sont peu crédibles (la palme du jeu "à côté de la plaque" revient sans conteste à Romain Duris, pour le coup).

Errant entre le désarroi d'une professeure en détresse, les difficultés de la cité et la touche de fantastique (qui finalement n'apporte pas grand chose), "Madame Hyde" est un film bancal, auquel on ne croit guère. Ce n'est pas avec lui que je vais me réconcilier avec le cinéma de Serge Bozon. D'ailleurs, je ne suis pas sûr d'en avoir envie.

Battle of the sexes (2017)

Les temps changent et il était temps. A grands coups de hashtags et de manifestations, on est en train d'abolir la notion de sexe faible. Il reste du chemin  à parcourir, mais rien ne sera comme avant. Naturellement, le cinéma s'est emparé du sujet, avec plus ou moins de talent et, sous divers angles, la question de l'égalité femme-homme est posée. Ainsi, après le très sympathique "Little Miss Sunshine", le duo de réalisateurs Jonathan Dayton et Valerie Farris a mis un coup de projecteur sur l'odyssée de Billie Jean King, une de ces héroïnes "bigger than life" qui fit bouger les lignes.

1972 : Billie Jean King, après avoir remporté l'US Open, devient numéro une mondiale du tennis. Pourtant, ses primes de match ne représentent qu'une infime somme, au regard de celles touchées par ses confrères masculins. Elle décide alors de créer la Women's Tennis Association, avec quelques-unes de ses consœurs. Face à elle, les mâles se pavanent et se moquent. L’exubérant Bobby Riggs, joueur compulsif et macho affiché, décide de défier la jeune joueuse.

En visionnant "Battle of the sexes", on est tenté de faire la comparaison avec le très réussi "Borg Mc Enroe", autre film traitant d'un affrontement entre deux tennismen. Encore une fois, c'est un duel sur fond de sport qui nous est proposé. Valerie Farris et Jonatha Dayton, dont on avait goûté jusque là la bienveillance, emmènent le spectateur dans le passé pour narrer un affrontement autrement plus politique que celui qui opposait Borg et Mc Enroe. 

La reconstitution est de bonne facture : qu'il s'agisse des costumes, des décors, tout contribue à l'atmosphère seventies du film, et favorise donc sa crédibilité. Voilà un premier bon point. On peut illico en attribuer un autre à "Battle of the sexes" pour l'affection que porte les réalisateurs à leurs personnages. On s'en doutait un peu depuis "Little Miss Sunshine", Dayton et Farris aiment ceux dont ils racontent l'histoire. mais, si cela est louable dans une fiction, ça peut handicaper un film censé raconter une histoire vraie. Emma Stone, tout à fait charmante, est désarmante à force de sourire et l'on se demande si Billie Jean King a un jour douté du succès de la cause dont elle portait l'étendard. En face d'elle, Steve Carrell tient plus un rôle de bouffon que de vieux lion sur le retour. Sans réclamer à tout prix une plus forte dose de drame, "Battle of the sexes" aurait sans doute gagner à être plus sérieux, plus grave. Ses enjeux en seraient sortis grandis.

C'est cependant du côté de sa réalisation, curieusement peu ambitieuse, que pêche le plus "Battle of the sexes". Alors que son sujet méritait un véritable souffle, le film semble avoir été formaté pour le petit écran et se contente souvent d'un ton quasi-documentaire, qui nuit à l'impact de son propos. Ecrit comme un feel-good movie et traité comme un documentaire, le sujet (méconnu du grand public) qui alimente "Battle of the sexes" aurait mérité plus d'ambition et une mise en avant plus puissante de ses enjeux. Avec plus d'énergie, la très belle reconstitution aurait servi son sujet, qui le méritait bien. A défaut, ce film reste plaisant au visionnage, sans cependant laisser derrière lui un souvenir impérissable.

Monsieur et Madame Adelman (2017)

J'évoquais tout récemment le problème que peuvent représenter les taglines élogieuses dont les affiches de certains films sont affublées. Il est des cas où la dithyrambe est contre-productive. Dans le cas récent de "Monsieur et Madame Adelman", réalisé par Nicolas Bedos et le mettant en scène aux côtés de sa compagne Doria Tillier, le film serait, si l'on en croit les critiques (enfin, celles sélectionnées pour figurer sur l'affiche), romanesque, brillant, drôle, grinçant, sexy, émouvant et incroyable. 

Ça fait beaucoup pour un seul film, non ? Pour en avoir le cœur net, le mieux est d'y jeter un œil. 

Alors qu'on enterre Victor Adelman, le célèbre écrivain, son épouse Sarah raconte à un journaliste sa vie aux côtés du grand homme. Quarante années de vie commune, de la rencontre à la fin, voilà ce qui reste d'un couple, avec ses éclats de bonheur et ses plongées sordides. A travers les décennies et malgré les épreuves, c'est la chronique d'un couple, d'une ascension vers le succès et de deux personnalités fortes qui va s'écrire...
Tout commence à Paris dans les années 1970...

On aime ou on n'aime pas Nicolas Bedos. Il semble que cet homme de média n'inspire pas la tiédeur. Et, quand il se met en scène, qui plus est aux côtés de sa compagne, dans un film qu'il a écrit, ses détracteurs devraient prendre la fuite. Néanmoins, le thème annoncé du film, à savoir la description, vue de l'intérieur, d'un couple, peut attirer l'attention. J'avoue être agacé par le personnage public qu'est Nicolas Bedos, mais faisant fi des préjugés, j'ai lancé à "Monsieur et Madame Adelman" sa chance. Alors, ce film est-il une grande fresque romanesque ou un récit très auto-centré ? J'avoue - hélas ! - pencher pour la deuxième hypothèse.

Ce n'est pas tant la réalisation qui est à mettre en cause : quelques séquences sont particulièrement réussies, d'un point de vue technique, et le pari (risqué) de couvrir plusieurs décennies est plutôt réussi. Les défauts du film sont à chercher du côté du scénario et, surtout, de l'impression gênante d'ego-trip qu'il laisse en fin de visionnage. 

Le problème principal de ce film (en dehors de l'omniprésence de son réalisateur-scénariste-acteur principal) est qu'il n'aborde l'histoire du couple souvent que sous un angle. Tenté par l'utilisation du twist final, Nicolas Bedos oublie d'en faire le pivot de son histoire et nous impose un retournement finalement sans grand intérêt, comme s'il cherchait à allumer un dernier contre-feu, destiné à détourner un instant l'attention, comme s'il voulait prouver qu'il y a autre chose que de l'auto-contemplation dans ce film. Le procédé est un peu balourd et ne prend pas. Et puis, à l'image du psychanalyste, qui suit des années durant Victor, on aimerait pouvoir lui dire stop. 

Trop long, trop redondant, "monsieur et Madame Andelman", excessivement auto-centré, donne l'impression souvent gênante de regarder la vie d'un couple qu'on n'envie pas forcément, malgré sa fortune et sa réussite.

Les fantômes du passé (2017)

J'avoue un petit faible pour la littérature policière venue d'Islande. Alors, quand l'occasion s'est présentée de visionner un film venue de ce morceau de terre, je n'ai guère hésité. Sous le titre français de "Les fantômes du passé" (alias "Eg man pig" en Islandais, ou "I remember you" pour les pays anglo-saxons, allez vous y retrouver avec ces titres), se profilait donc l'adaptation d'un roman d'Yrsa Sigurðardóttir, mêlant thriller et épouvante. Pourquoi pas, après tout ?

Quelque part, en Islande, une femme se pend dans une église. En enquêtant sur son passé, Freyr, psychiatre, dont le fils a disparu trois ans plus tôt, découvre que cette suicidée n'était pas étrangère à cette disparition.
Non loin de là, trois jeunes gens décident de rénover une vieille maison abandonnée, située dans un village déserté faute d'activité industrielle, avant de se rendre compte que les lieux abritent une présence. Et si ces faits étaient liés entre eux ? 

Au bout de quelques scènes, on comprend que "Les fantômes du passé" utilise deux intrigues qui finiront par se croiser mais que la route sera faite de douleurs, parce que les personnages charrient tous un passé compliqué. Il est question de deuil, surtout, dans ce film froid comme le vent qui souffle sur les paysages islandais (remarquables décors de film, soit dit en passant). 

Hélas, dans son traitement, "Les fantômes du passé" est souvent peu clair et déséquilibré. Les
motivations du psychiatre qui accompagne les enquêteurs, par exemple, sont mieux explicitées que celle des jeunes gens venus restaurer une maison, envers et contre tout, malgré les multiples fêlures existantes dans leurs existences. Óskar Thór Axelsson, réalisateur et coscénariste du film, a un véritable talent de mise en scène, mais livre un long métrage parfois bancal. C'est d'autant plus dommage que les acteurs sont souvent très convaincants, Jóhannes Haukur Jóhannesson en tête.

Par ses maladresses, "Les fantômes du passé", s'il peut séduire par ses décors, son ton et son casting, échoue à réussir dans l'exercice de style qu'il s'impose. Pas franchement désagréable, mais sans rien de surprenant, ce film venu d'une contrée à la production cinématographique rare peut laisser froid.

Jamais contente (2017)

Vous souvenez-vous de vos années "collège" ? Le cinéma, en tout cas, aime évoquer cette période de la vie où tout se bouscule dans la tête et le corps de ceux qui quittent l'enfance pour devenir des adolescents. Qu'il s'agisse des "Beaux gosses" ou de "Lou ! Journal infime" (deux adaptations de bandes dessinées), c'est souvent sur le ton de la comédie que ces années sont évoquées au grand écran. Récemment, "Jamais contente", d'après une série de romans de Marie Desplechin, a également traité de cette période de la vie. Si on revenait sur ce petit film ?

Elle n'est jamais contente, Aurore. Cette préadolescente qui redouble sa classe de cinquième. Elle n'aime rien ni personne et le monde le lui rend bien, du moins le ressent-elle. Qu'il s'agisse de ses sœurs, de ses parents, des garçons, tout lui paraît adversité. Du coup, elle agresse, elle râle, elle crie et met à mal la patience de tous, à commencer par ses parents, qui la menacent de l'envoyer en pension. Tout cela n'arrange rien : Aurore reste fâchée contre tout et tous.

C'est le portrait d'une jeune fille ayant un pied dans l'enfance et l'autre dans l'adolescence, avec pour horizon un monde adulte pas toujours engageant, que nous propose Emilie Deleuze. En adaptant "Le journal d'Aurore" de Marie Desplechin, la réalisatrice (essentiellement connue pour ses travaux à la télévision) a choisi de tourner à hauteur de ses personnages et de filmer au plus près de leurs émotions. C'était probablement la meilleure option pour le sujet choisi, car le résultat est plutôt réussi. Le spectateur est emporté dans le sillage d'Aurore, petite peste que l'on se prend à finalement apprécier, bien qu'elle ait un talent certain pour se faire détester.

On pourra tiquer sur les quelques défauts du scénario, qui s'égare parfois dans des directions inutiles (comme l'évocation du mariage, par exemple) et pourrait donner l'impression de faire du remplissage. On pourra aussi s'agacer de certaines lourdeurs du même scénario, qui insiste parfois un peu trop sur certains traits de caractères de la petite héroïne, histoire de bien nous faire comprendre comment elle fonctionne (ou revendique d'être). On pourra, enfin, grincer des dents devant quelques situations improbables (comment une fillette de 13 ans se retrouve-t-elle à chanter dans un groupe de rock avec des garçons plus vieux qu'elle ?).

Mais, malgré tous ses défauts, "Jamais contente" emporte l'adhésion, en grande partie grâce ou à cause de son interprète principale. Léna Magnien, dont c'est la première (et pour l'instant unique) apparition à l'écran donne vie avec justesse à Aurore. Bien que ne correspondant pas à l'idée qu'on pouvait se faire d'Aurore, à la lecture du roman, elle s'approprie le rôle et emmène tout le monde avec elle. Épaulée par des seconds rôles bien tenus (coup de chapeau au passage à Catherine Hiegel dans le rôle d'une grand-mère comme on en rêve parfois), c'est surtout à son interprète principale que "Jamais contente" doit son énergie, souvent communicative.

Voilà un petit film qui pourra réjouir pas mal de spectateurs, incluant (une fois n'est pas coutume) les parents et les enfants, sur un sujet commun. A bien des égards, c'est une prouesse. 

Ce film a été vu dans le cadre du Movie Challenge 2018, pour la catégorie 

"Un film dont un personnage a le même nom / surnom que toi"

Les hommes du feu (2017)

Autrefois acteur (souvenez-vous du "Dernier Combat"), Pierre Jolivet est passé de l'autre côté de la caméra et s'est fait un nom de réalisateur, avec des films comme "Ma petite entreprise" ou "Le frère du guerrier", pour n'en citer que deux, dans de genres assez différents. Posant souvent sa caméra à hauteur d'homme (et de femme), il donne à ses films un ton social qui lui est propre. L'an dernier, "Les hommes du feu", qui mettait à l'honneur la très honorable profession de pompier n'a pas séduit le public.

Mutée dans une caserne du sud de la France, alors que l'été et la perspective des incendies approchent, Bénédicte a sa profession dans le sang. S'intégrant dans son nouveau cadre de vie, elle est vite propulsée dans les urgences, le quotidien des sapeurs-pompiers. Mais, une nuit, c'est le drame. Lorsqu'elle doit intervenir sur un accident de la route, Bénédicte fait une erreur et ne voit pas une victime, éjectée du véhicule et laissée sur le bas-côté. Alors qu'autour d'elle la vie continue, Bénédicte doit vivre avec cette erreur et ses conséquences...

Tourné en partie dans des conditions réalistes et encadrées par les sapeurs-pompiers du Var, "Les hommes du feu" a des airs de documentaire. En cela, il est très louable, parce qu'il permet de découvrir les femmes et les hommes sous l'uniforme, et d'embarquer avec eux. Seulement, ce n'est pas un documentaire, mais une véritable fiction, et si le film permet de s'imprégner de l'ambiance de la caserne, il souffre tout de même de ce qu'il est : une fiction documentée, jeu d'équilibre subtil entre deux genres, pas toujours synonyme de réussite.

L'intrigue annoncée par le pitch du film est finalement assez peu utilisée et diluée dans un canevas assez lâche, où chacun des personnages poursuit sa quête personnelle. Entre ses tourments personnels et les tensions professionnels, chaque protagoniste des "Hommes du feu" tente d'avancer, sur une trajectoire hésitante. Celles et ceux dont il est question dans ce film, c'est-à-dire les pompiers et leur entourage, sont incarnés par des acteurs convaincus de leur mission, mais pas toujours habilement servis. Ainsi, on pourra pointer certaines scènes un peu "forcées" du côté du personnage de Roschdy Zem, par exemple. Enfin, on déplorera l'utilisation de quelques clichés qu'il eût été plus habile de contourner, afin de rester sur un axe plus solide. 

Partant d'une très noble intention, celle de célébrer des hommes et des femmes s'évertuant à sauver des vies, parfois au péril de la leur, "Les hommes du feu" est une déception. Faute d'une ossature solide et partant un peu dans tous les sens, ce film rate son objectif. 

Un profil pour deux (2017)

Il est certains acteurs à qui l'on pardonne beaucoup, parce qu'on a une histoire avec leur filmographie, parce qu'ils tiennent une place particulière dans notre vie de cinéphile. Pierre Richard est de ceux-là, à mes yeux. Il avait déjà joué devant la caméra de Stéphane Robelin, dans "Et si on vivait tous ensemble ?", assumant son âge et s'en amusant. Les deux hommes se sont récemment retrouvés pour "Un profil pour deux", qui ne connut pas le succès qu'avaient, autrefois, les films du plus célèbre Grand Blond du cinéma français. 

Veuf et amer, Pierre ne sort plus de chez lui : il s'ennuie. Lorsque sa fille lui propose d'apprendre à se servir d'Internet et, pour cela, de recevoir des leçons de la part d'Alex. En fréquentant les sites de rencontre, Pierre tombe sous le charme de Flora, qu'il séduit par sa prose, tout en cachant sa véritable identité. Quand vient l'heure du premier rendez-vous, Pierre envoie Alex à sa place. Ce qui devait arriver arriva : Flora est séduite par Alex. Mais qui aime-t-elle vraiment ?

L'intrigue de base de "Un profil pour deux" est des plus simples : l'amour et l'imposture sont au rendez-vous. Il ne reste plus qu'à la traiter de façon respectable pour en faire un film honnête, voire agréable.  La promesse n'est qu'à moitié tenue, hélas, dans ce long métrage dont le thème, vieux comme le monde, percute l'époque. Tel un Cyrano des temps modernes, pas forcément à l'aise avec un siècle qui va trop vite pour lui, le personnage incarné par Pierre Richard séduit à l'ancienne, alors que les codes ont changé.

Ne nous mentons pas : c'est essentiellement pour Pierre Richard, autrefois clown facétieux, aujourd'hui vieil homme mélancolique, que "Un profil pour deux" mérite d'être vu. Assumant son âge et dispensant sur son passage un charme qu'entame à peine la profonde tristesse de son personnage, celui qui enchanta nombre d'amateurs de comédie est l'atout numéro de ce film. Dans son sillage, les autres comédiens, Yaniss Lespert et Fanny Valette en tête, réussissent à faire croire en leurs personnages et tirent plutôt bien leur épingle du jeu.

C'est cependant au niveau de l'intrigue que le bât blesse. Si l'idée de base était séduisante, elle est vite épuisée et doit, pour remplir totalement la durée attendue, subir ça et là quelques remplissages pas toujours habiles. Il n'y a pas de grandes surprises, dans "Un profil pour deux", il y a simplement le plaisir de revoir Pierre Richard et d'entendre, comme en écho aux comédies d'une autre génération, les mélodies de Vladimir Cosma. C'est peu, mais comparé à certains autres longs métrages du moment, c'est déjà beaucoup.

Garde alternée (2017)

Un mari, une femme, une maîtresse : on ne compte plus le nombre d'intrigues tressées autour de ce trio infernal, au théâtre, en littérature ou au cinéma. Les traitements furent si multiples qu'on pourrait penser que le filon est épuisé. Mais non, il reste des scénaristes pour exploiter le triangle amoureux. Récemment, c'est sous l'angle de la comédie qu'Alexandra Leclère (qui avait précédemment réalisé "Le grand partage") utilisa ce grand classique. Mal lui en prit, puisque "Garde alternée" ne reçut que peu de succès en salles.

Jean et Sandrine sont mariés depuis quinze ans et deux enfants. Un jour, Sandrine découvre, en fouillant le téléphone de son mari, que Jean a une maîtresse. Passée la colère, elle fait la connaissance de Virginie, sa rivale, et comprend vite ce chez elle qui a fait craquer Jean. Toutes deux décident finalement d'un nouveau fonctionnement : Jean passera alternativement une semaine sur deux dans sa famille et chez sa maîtresse. Le principal intéressé n'est pas au bout de ses peines. 

En visionnant les premières séquences de "Garde alternée", on est rapidement fixé : le film ne fait pas dans la dentelle, ni dans la finesse. Le pitch de base est plutôt gonflé et sa réalisatrice a sans doute pensé qu'il lui fallait donc un traitement qui ne fasse pas dans la demi-mesure. Mais il semble malheureusement qu'une idée un tout petit peu originale ne suffise pas à faire un film, qui plus est dans le registre de la comédie.

Une fois qu'elle a utilisé toutes ses cartouches (et la rafale est de courte durée), Alexandra Leclère ne sait visiblement plus trop quoi faire de son sujet. C'est donc à de nombreux allers-et-retours que le spectateur est contraint d'assister, le scénario ayant visiblement été bricolé sans grand souci de vraisemblance, ni de cohérence. Souvent embarrassant, rarement drôle, "Garde alternée" fait beaucoup songer à "Sept ans de mariage", dans lequel Didier Bourdon connaissait déjà les affres de l'usure du couple. 

Si les réserves que l'on peut avoir sur Didier Bourdon, visiblement cantonné à des rôles donnant dans le même domaine, et à Valérie Bonneton, forcée de passer par des scènes outrancières pour tenter d'arracher un sourire au spectateur, le reste du casting fait peine à voir. On est  bien embêté de voir des acteurs comme Michel Wuillermoz, Laurent Stocker ou la délicieuse Isabelle Carré gâcher leur indéniable talent dans cette farce plutôt grasse et pas très drôle.

Pensant sans doute tordre le vieux cliché du triangle amoureux, Alexandra Leclère livre ici un film où les facilités et les clichés abondent, faisant reposer ses effets comiques souvent en-dessous de la ceinture. Le résultat est un film sans intérêt, se voulant drôle, mais s'avérant le plus souvent gênant.

Downsizing (2017)

On avait pu repérer Alexander Payne avec "The descendants", qui mettait en vedette un George Clooney désemparé sur fond d'un Hawaï inattendu. Son dernier film (il y eut entre deux "Nebraska") "Downsizing", a fait l'objet d'une promotion notable, mettant en avant les éloges de certains critiques (cela dit, ce simple procédé peut être très contre-productif). Avec en vedette Matt Damon, ce film de science-fiction promettait beaucoup et, au final, n'a pas reçu le succès escompté. Alors, le public serait-il passé à côté d'un grand film ?

Surpeuplée, la planète ne suffit plus à nourrir et loger ses habitants. Alors, une solution s'impose : miniaturiser l'homme. Après avoir hésité, Paul Safranek se lance et convainc son épouse : le projet Downsizing semble augurer d'un nouvel eden, bien loin de son Omaha quotidien.
Une nouvelle vie commence pour lui. Enfin, ça, c'est ce qui lui est promis. La réalité sera bien différente.

Avec un pitch pareil et les prouesses réalisées par les spécialistes en effets spéciaux, on pouvait rêver à un film alliant forme et fond : quand la science-fiction se penche sur la société, cela peut donner de grandes œuvres. D'autant plus que "Downsizing", dans les premières séquences, semble se donner les moyens de ses ambitions. Le modeste Paul Safranek, représentant parfait de la middle-class américaine, se laisse séduire par l'idée d'une nouvelle chance et.... C'est justement là que le bât blesse, car après ce "et", le film part à vau-l'eau, et semble oublier son intention première. Alors, faute d'aller jusqu'au bout celle-ci, Alexander Payne donne l'impression de bricoler son intrigue au fur et à mesure...

Passé le premier quart du film et une fois son héros rapetissé, le film perd tout son intérêt et se contente mollement d'allers et retours. Heureusement, tout n'et pas à jeter dans ce film : s'il maintient l'intérêt du spectateur, c'est en grande partie, grâce à ses interprètes (faute d'un propos percutant). Matt Damon, marchant dans les pas de Tom Hanks, figure remarquablement l'américain moyen. Face à lui, l’exubérant Christoph Waltz semble bien s'amuser, tandis que Kristen Wiig et Jason Sudeikis, pour ne citer qu'eux, n'ont qu'un rôle accessoire (au sens où ils ne font que servir que le scénario), mais font le job, comme on dit. 

L'idée de base était formidable et aurait pu donner lieu à un grand film de science-fiction. Avec moins de moyens, "L'homme qui rétrécit", en son temps, eut un propos maintes fois plus profond et efficace. Malgré des moyens imposants, l'effet produit par le film est à l'image de son héros : riquiqui.

Ce film a été vu dans le cadre du Movie Challenge 2018, pour la catégorie 

"Un film qui t'a déçu"