En équilibre (2015)

Tomber, puis se relever : voilà un thème qui a alimenté bien des fictions, au cinéma ou ailleurs. Le message d'espoir véhiculé par de telles histoires est de ceux dont on se rassasie volontiers. Dans "En équilibre", le cinéaste Denis Dercourt, déjà repéré pour "La tourneuse de pages", adaptait l'histoire du cavalier Bernard Sachsé, devenu paraplégique après un accident lors d'un tournage. Malgré la présence au casting d'Albert Dupontel et de Cécile de France, force est de constater que ce film n'eut pas le succès que d'autres (citons, au hasard, "Intouchables") purent rencontrer. 

Marc, cavalier pour le cinéma, est devenu paraplégique, après s'être fait piétiner par sa monture lors d'un tournage. Dans son fauteuil roulant, il doit maintenant affronter les assurances qui rechignent à l'indemniser. Cécile, missionnée pour lui faire accepter le compromis destiné à clore ce dossier, va peu à peu tomber sous le charme de cet homme intègre, bien décidé à remonter en selle. Elle aussi va se rendre compte qu'elle peut se relever et vivre ses rêves jusqu'au bout.

Il est beau et louable, le message porté par "En équilibre". Ce chemin, fait de douleurs et de rechutes, d'élévations et de changements, a déjà été parcouru au septième Art. Ce n'est pas pour autant que "En équilibre" est un film superflu. Au contraire, le message en question doit être répété et décliné sous de nouveaux tons. Dans le cas de ce film, la porte d'entrée choisie est presque administrative (le conflit avec les assurances) et c'est elle qui amène le versant humain du voyage.

L'autre bonne idée du film est d'avoir choisi deux magnifiques interprètes, investis et talentueux, pour incarner deux personnages, complètement opposés l'un à l'autre, mais finalement si proches dans leurs blessures et leurs ambitions personnelles. On ne le dira jamais assez : Albert Dupontel est un grand acteur, capable de se glisser dans n'importe quel rôle avec une évidence qui force le respect. Face à lui, Cécile de France en impose en femme rigide contrôlant tout, puis dévoilant ses failles, face à un homme marmoréen mais combatif. 

On pourra reprocher au film d'être un peu trop long pour garder toute son efficacité, mais la prestation impeccable de ses deux acteurs principaux, Albert Dupontel en tête, et l'approche choisie (qui pourrait cependant faire reculer les spectateurs) donnent à "En équilibre" un supplément d'âme inattendu. 

Rester vertical (2016)

Avant tout art populaire (au sens noble du terme), du moins à mes yeux, le cinéma a son versant intellectuel, celui qui se drape dans l'appellation "film d'auteur", quitte à se rendre peu accessible à ceux qui viennent dans les salles obscures pour qu'on leur raconte joliment une histoire. C'est souvent ainsi que je me définis, en tant que spectateur. Il n'empêche que je me frotte parfois à un cinéma plus exigeant. Le dernier film d'Alain Guiraudie, après "L'inconnu du lac" qui avait connu un joli succès, a été boudé par le public et n'a sans doute pas bouclé son budget, malgré une sélection au festival de Cannes 2016. 

 Léo part sur un causse, à la recherche du loup. Il y rencontre Marie, une bergère. Ils se plaisent, malgré leurs différences, et ont un bébé. Mais, Marie, à force de voir Léo partir et revenir à sa guise, prend la fuite et laisse le jeune père avec l'enfant. Léo, censé écrire un scénario de film, continue ses pérégrinations. De lieu en lieu, de rencontre en rencontre, avec son bébé dans les bras. Il y a des hommes seuls, jeunes, vieux, avec leurs difficultés, leurs corps, leurs désirs sexuels, leurs âmes blessées...

A lire les critiques parues dans la presse (je vous laisse chercher, amis internautes, les moteurs de recherche sont là pour ça), on a ici affaire à un grand film, à une fable, où sont convoqués de grands thèmes, magnifiquement interprété, superbement réalisé. Je n'ai pas du voir le même film que tous ces critiques (toutes catégories confondues), ou alors suis-je définitivement de l'autre côté du fossé qui sépare le public de certains cinéastes. 

On ne peut pas se cacher derrière l'argument de l'onirisme ou de la fable pour asséner au spectateur des séquences sans grand rapport (hormis sexuel) entre elles, des scènes brutales et volontairement dérangeantes sur leur forme sans que le fond ne le justifie. Comme dit en en introduction de cet article, un film se doit avant tout de raconter une histoire, fût-elle un peu fantaisiste. On a la très nette impression, en visionnant "Rester vertical", d'assister à la juxtaposition de séquences filmées au jour le jour, sans souci de cohérence. Le crédit apporté à ce film par de nombreux critiques, ainsi que les quelques récompenses et sélections qu'il reçut évoque également un certain élitisme, voire un mépris des spectateurs. Mesdames et messieurs les artistes, ou qui vous prétendez comme tels, n'oubliez pas que devant vous, il y a un public, et qu'il n'est pas composé uniquement de journalistes complaisants. 

Une chose est sûre, en tout cas, au vu de la très faible affluence publique qui fut la sienne à la sortie de ce film, je ne suis pas tout seul de mon côté du fossé. On se console comme on peut.

Mad Dog and Glory (1993)

Il est des films qu'on aime, bien qu'ils soient souvent méconnus, voire totalement inconnus par nombre de spectateurs. J'avais un joli souvenir de "Mad Dog and Glory", et de son trio d'acteurs, l'ayant vu il y a longtemps. Ayant eu l'opportunité de le revisionner, j'ai envie de l'évoquer ici. Réalisé par John Mc Naughton et produit par Martin Scorcese, cette histoire mêlant romance et gangsters, menée par Robert de Niro, Uma Thurman et Bill Murray, mérite, à mes yeux, d'être tirée de l'oubli.

Surnommé "Mad dog" par ses collègues policiers, Wayne est chargé de photographier les scènes de crime. Parce qu'il sauve la vie de Frank Milo, truand notoire qui aurait voulu être humoriste, Wayne voit un jour débarquer chez lui la jolie Glory, à titre de remerciement de la part de Milo. Tous deux vont apprendre à se connaître, à s'apprécier et finalement à s'aimer. Seulement, ce n'est pas si simple : Milo ne compte pas se laisser déposséder de Glory.

Un type ordinaire qui voit sa vie prendre un tour inattendu, voilà qui est classique et qui, souvent, a donné de beaux films. L'histoire de Wayne, homme tranquille, dont la trajectoire percute celle d'un gangster qui aurait voulu faire du stand-up, est souvent touchante, parfois amusante. mais surtout pleine d'une humanité que nombre de films peinent à évoquer. John Mc Naughton, sortant à l'époque de "Henry, portrait d'un serial killer" et qui connaîtra son plus grand succès avec "Sexcrimes", réalise ici un film qui fait la part belle à ses personnages et à leurs imperfections. Pour peu qu'on s'attache un peu à eux (et c'est plutôt facile), on a tôt fait d'embarquer aux côtés de Wayne, Milo et Glory. 

Les acteurs qui donnent vie à ces personnages sont pour beaucoup dans la réussite de l'entreprise. Robert de Niro, qui n'avait alors plus grand chose à prouver, s'aventure sur un territoire qu'il n'avait pas encore exploré, choisissant le rôle de Wayne plutôt que celui de Milo, qu'on lui avait initialement proposé. Et c'est là que se situe une des meilleures idées du film, parce qu'il donne à son personnage une humanité (oui, je me répète) et une fragilité lui conférant une vraie épaisseur. Face à lui, Bill Murray, sortant du génial "Un jour sans fin", est parfait en malfrat odieux mais plein de failles. Entre eux, Uma Thurman, délicieuse (c'était bien avant qu'elle n'envisage le botox) et encore peu connue (c'était avant "Pulp Fiction"), joue l'ingénue avec une vraie grâce. Enfin, il serait injuste de ne pas signaler la prestation pleine de nervosité de David Caruso, pas encore embauché chez les "Experts" télévisés.

Le subtil numéro d'équilibre proposé par "Mad Dog and Glory" est finalement réussi : entre romance et film de gangsters, avec une pointe d'ironie. Ses personnages, qu'ils soient flic, truand ou fille un peu perdue, ne sont pas là où ils voudraient être et se dépêtrent tant bien que mal dans leurs vies.

Sans doute oublié de bon nombre de spectateurs, ce film mérite, à mes yeux en tout cas, d'être dépoussiéré.

Ce film a été vu dans le cadre du Movie Challenge 2017, catégorie "Film que j'aime bien secrètement" (mais j'assume).

Quelques minutes après minuit (2016)

La distribution des films est un mystère. Comment un long métrage réunissant Sigourney Weaver, Felicity Jones et Liam Neeson (certes, derrière la motion-capture), adapté d'un roman à succès, doté d'une réelle ambition visuelle et narrative, peut-il sortir, à la sauvette, et ainsi passer sous le radar de pas mal de spectateurs ? Ils sont nombreux, en effet, ceux qui n'ont même pas entendu parler de "A monster calls", (maladroitement) renommé en France "Quelques minutes après minuit", dernière réalisation de Juan Antonio Bayona, qui nous avait offert il y a quelques années "L'orphelinat" et mettra en scène la suite de "Jurassic World". 

Conor, dix ans, n'a pas une vie facile, loin s'en faut. Entre sa mère qui lutte contre une longue maladie, le contraignant à faire tourner la maison comme un adulte, sa grand-mère qui lui fait la vie dure et ses camarades d'école qui le maltraitent, il n'a plus que son imaginaire pour se réfugier. C'est de là que sort un monstre impressionnant, créature issue d'un arbre, qui vient, en pleine nuit, terroriser le jeune garçon. 

A moins qu'il ne soit là pour l'aider. 

Adapté du roman de Patrick Ness (qui signe d'ailleurs le scénario), "Quelques minutes après minuit" n'est clairement pas un film pour les enfants, si vous voulez mon avis. Sombre, intense et souvent très dur, il s'agit d'un conte initiatique, où le jeune héros découvre la vie sous sa facette la plus douloureuse. La dose de fantastique qu'il contient n'est pas là pour adoucir le propos et rendre plus acceptables les épreuves que subit Conor.

On s'en doutait dès son premier long métrage ("L'orphelinat"), Juan Antonio Bayona, chaperonné alors par Guillermo del Toro, sait raconter une histoire et y faire adhérer son spectateur. Avec cette adaptation ambitieuse et réussie, il confirme son statut de réalisateur avec lequel il faut compter, tout en affirmant une vraie identité, tant visuelle que narrative. Il ne reste qu'à espérer qu'il ne se fasse pas étouffer lors de son prochain tournage (on peut en douter).

Le casting de "Quelques minutes après minuit" est impeccable. Dans le rôle de la mère de Conor, rongée par le cancer, Felicity Jones, à mille lieues de sa performance de "Rogue One", fait montre d'un talent indéniable, dans le rôle d'une femme à la fois forte et fragile. Sigourney Weaver, impériale comme toujours, livre une prestation tout aussi remarquable, et la performance de Liam Neeson derrière le monstre nocturne est tout aussi notable, mais celui qui est le plus formidable est le jeune Lewis MacDougall, qui incarne Conor. Quand on sait à quel point les personnages enfantins peuvent donner lieu à des interprétations caricaturales, on ne peut qu'être admiratif du jeu tout en colère rentrée du jeune garçon (son histoire personnelle fort douloureuse a pu résonner en écho dans ce rôle). Gageons qu'on le retrouvera bientôt sur grand écran.

Graphiquement superbe (et c'est encore plus vrai lors des séquences animées), "Quelques minutes après minuit" aurait mérité une meilleure distribution, même s'il représente un vrai casse-tête, dès lors que se pose la question de son public. Sans doute trop dur et trop complexe pour un jeune public, il peut également dérouter les adultes. Là se trouve sans doute l'un des handicaps du film, coincé entre deux publics, au risque de n'en finalement trouver aucun. Et, pendant qu'on évoque les faiblesses du film, la seule que je soulignerais réside dans son dernier quart d'heure, qui s'englue inutilement dans un procédé "tire-larmes" inutile et perd un peu de sa force à cette occasion.

Sans l'excès de pathos de la dernière partie, "Quelques minutes après minuit" aurait été un chef
d'oeuvre. C'est déjà un grand film, de ceux qu'on n'oublie pas et, à ce titre, aurait mérité d'être distribué dignement.

Ce film a été vu dans le cadre du Movie Challenge 2017, catégorie "Film qui m'a fait pleurer".

Suicide Squad (2016)

Vilipendé lors de sa sortie et sans doute précédé, à tort, d'une promotion qui lui fit plus de tort que de bien, "Suicide Squad", malgré un succès public indéniable, a mis contre lui la plupart des critiques. Alors que Marvel réussit, depuis quelques années, à aligner des films faisant communier les amateurs de comic-books et le grand public, force est d'avouer que son principal concurrent, DC Comics, se casse les dents, malgré un portefeuille des plus intéressants. Avec, aux manettes, David Ayer et en tête d'affiche une bande de super-vilains plus badass les uns que les autres, "Suicide Squad" méritait-il pareille volée de bois vert ?

Face aux menaces grandissantes autour de la sécurité, et suite à la mort de Superman, Amanda Waller a décidé de réunir les pires vilains et de mettre cette équipe au service de l'état. Ils sont dangereux, fous, et disposent souvent de pouvoirs qui dépassent l'entendement. Mais ils vont devoir s'unir et faire face à un danger qui les dépasse : un méta-humain a décidé de ravager la Terre. De son côté, le Joker est à la recherche d'Harley Quinn, elle-même membre de l'escouade réunie par Waller.

David Ayer, réalisateur du remarqué "Fury", a du en baver, que soit avant, pendant ou après le tournage de ce "Suicide Squad", objet d'un monstrueux battage médiatique et d'une descente en flammes en bonne et due forme lors de sa sortie en salles. On pourrait se demander si pareil traitement était bien mérité. Après visionnage, il faut se rendre à l'évidence : oui, c'était mérité.

Comment peut-on, à partir d'un matériau de base à fort potentiel, accoucher d'un film si vide de sens et d'intérêt, se cachant derrière ses personnages pour exister ? Et, surtout, comment un réalisateur dont on pu entrevoir le potentiel, peut-il s'être empêtré dans un bourbier pareil ? Ils sont nombreux, les reproches que l'on peut adresser à "Suicide Squad", qu'il s'agisse d'un scénario inepte, d'une bande originale pesante (je parle ici de la composition de Steven Price, pas des nombreux titres que l'on apprécie d'entendre à l'occasion de ce film) ou de la prestation destructrice de Will Smith, qui joue un méchant qui n'est pas vraiment méchant et serait même plutôt gentil, en fait.

Phagocyté par la présence de Will Smith (qui, pour une fois, nous épargne cependant la présence de son fils), le film souffre d'un déséquilibre flagrant et de l'absence totale d'enjeu et d'empathie. Il est difficile de s'intéresser à un film dont aucun personnage n'est sympathique. Survendu, et rempli de personnages destinés à boucher les trous du scénario, qui sont légion et donnent surtout l'impression que les personnages sont ceux d'un jeu vidéo, puisqu'ils marchent ensemble, se battent contre des méchants, avant de reprendre leur ballade, en vue d'aller casser la figure au boss de fin. La présence épisodique d'un Joker inutile et finalement sans intérêt (alors que ce personnage avait été l'objet d'un buzz notable) ne suffit pas à faire illusion. 

Seule peut être sauvée l'interprétation de Margot Robbie, délicieusement vénéneuse, et dont on aurait bien voulu qu'elle puisse pousser le curseur un peu plus loin. Elle seule semble assumer totalement ce qu'elle fait, mais cela ne suffit hélas pas à sauver "Suicide Squad" de l'échec. Même si la qualité des productions Marvel laisse parfois à désirer, la firme de Stan Lee peut continuer sur sa lancée sans s'inquiéter de la concurrence de DC Comics. Cette troisième adaptation de l'univers où gravitent Superman, The Flash et Batman (excusez du peu), pour ne citer qu'eux, est à cent coudées du moins bon volet de "X-Men" (au hasard, le troisième volet, par exemple). Les prochaines adaptations estampillées "DC", à savoir "Wonder Woman" et "Justice League" peuvent inquiéter : nous serons fixés dans quelques mois.


Ce film a été vu dans le cadre du Movie Challenge 2017, catégorie "Film d'action".

Rock the Kasbah (2015)

Si on m'avait dit un jour qu'un film de Barry Levinson (à qui l'on doit tout de même "Rain Man" ou "Good Morning Vietnam", pour n'en citer que deux), avec le vénéré Bill Murray en tête d'affiche, sortirait directement en vidéo (du moins en France), l'étonnement aurait été au rendez-vous. Mais, ces dernières années, la distribution des films touchant parfois au paranormal, plus rien ne surprend les cinéphiles. Inspiré de faits réels, "Rock the Kasbah", avec également Bruce Willis, Zooey Deschanel et Kate Hudson a donc contourné les salles obscures. Faut-il s'en lamenter ?

Autrefois manager d'artistes célèbres et reconnus, Richie Lanz n'est plus que l'ombre de lui-même et s'est inventé un passé glorieux. La tournée de la dernière chance s'offre à lui, avec un concert humanitaire en Afghanistan. Il y entraîne une jeune chanteuse réticente qui lui file entre les doigts dès l'arrivée à Kaboul. Qu'à cela ne tienne, Richie va rebondir : la voix d'une jeune afghane sera l'instrument de sa renaissance. En la poussant à participer au télé-crochet à succès du moment, c'est aussi lui-même qu'il va révéler...

Inspiré de l'histoire de Setara Hussainzada, première femme ayant participé à l'émission "Afghan Star" (et déjà narrée dans le documentaire éponyme), "Rock the Kasbah" est une nouvelle déclinaison d'un schéma déjà éprouvé : celui de l'homme retrouvant un sens à sa vie, grâce aux autres. Rien de bien nouveau sous le soleil d'Afghanistan, donc. Et c'est bien dommage, car on avait ici pas mal d'ingrédients d'une réussite potentielle. 

Ne nous voilons pas la face, "Rock the Kasbah" est un film raté, en grande partie parce qu'il manque d'épaisseur et de structure, ressemblant souvent plus à une succession de sketchs destinés à mettre en vedette le personnage incarné par Bill Murray, au cours de ses rencontres, souvent improbables. Le choc des civilisations, a fortiori  dans le contexte d'un pays en guerre depuis toujours ou presque, aurait pu donner une toile de fond riche, mais qui n'est ici que survolée et jamais bien exploitée. Quant aux personnages, on a du mal à s'attacher à eux (mis à part, peut-être, celui de la jeune Afghane à la voix d'or, incarnée par Leem Lubany).

Personnage central du film, Bill Murray est égal à lui-même, dans une énième incarnation du type cool, un brin mystificateur, et finalement plus fragile qu'il ne veut bien le montrer. Autour de lui gravite toute une galerie de personnages hétéroclites, de la prostituée au grand cœur au mercenaire en manque d'action, en passant par les trafiquants en tout genre. Mais la nature même du "héros" (les guillemets ne sont pas superflus) empêche presque toute empathie et rend difficile l'attachement aux protagonistes et donc à ce qui leur arrive...

Succession de scènes rarement touchantes, souvent ratées, "Rock the kasbah" manque d'épaisseur et de rigueur. Son scénario, lâche et plein de trous, gâche une belle histoire qui méritait un meilleur traitement.Pour ne rien arranger, "Rock the Kasbah" n'utilise même pas l'excellent et (presque) éponyme morceau de The Clash. 
Quel gâchis...



Ce film a été vu dans le cadre du Movie Challenge 2017, catégorie "Film non sorti en salles".