Edmond (2019)

 

Maintes fois adapté au cinéma, "Cyrano de Bergerac" fait indéniablement partie du patrimoine culturel français. Son auteur, Edmond Rostand, n'avait guère connu le succès jusqu'à cette pièce et resta à jamais le créateur de Cyrano. En adaptant sa propre pièce de théâtre, qui rendait hommage à Rostand, Alexis Michalik passait pour la première fois derrière la caméra pour "Edmond". Salué par nombre de critiques, ce film ne déchaîna pas pour autant les foules. Alors, Edmond Rostand méritait-il mieux ? 

1897 : Edmond Rostand n'a rien écrit depuis sa dernière pièce et la ruine le guette. Pour éviter la ruine, il propose au célèbre acteur Coquelin de jouer dans sa prochaine pièce. Le comédien accepte, mais très vite, un problème se pose : Rostand n'a pas écrit la première ligne de la dite pièce et, alors que la date de la première approche, l'inspiration lui fait défaut. On ne jure à l'époque que par Feydeau et les écrits de Rostand n'ont guère de succès.

Il va devoir, en quelques jours, créer une nouvelle pièce, celle de la dernière chance. Ce sera "Cyrano de Bergerac".

Pour peu qu'on apprécie l'époque décrite (la Belle Epoque), on se régalera au visionnage de "Edmond" : l'immersion, à laquelle concourent décors et costumes, est totale. En s'affranchissant des limites de la scène théâtrale, où il rencontra un immense succès avec le matériau d'origine, Alexis Michalik gagne en amplitude et tire le meilleur de l'esthétique de l'époque. Mais la réussite globale de "Edmond" ne réside pas seulement dans sa forme. Le passage des planches au grand écran s'avère également bénéfique, en amplifiant les effets de rythme propres au théâtre. Presque rocambolesque (dans le bon sens du terme), "Edmond" ne présente aucun temps mort et ses rebondissements donnent une énergie notable à l'histoire qui nous est contée là. 

On pense énormément à "Shakespeare in love" en visionnant "Edmond", mais le fait est que ce film dispose tout de même de son identité propre, de sa patte qui en fait une œuvre qu'on a plaisir à visionner. La génèse (fictionnelle) de "Cyrano de Bergerac" et la façon dont un créateur accède enfin au succès qui se refusait à lui jusque là tient du parcours tant initiatique que de la course d'endurance. Pour fantaisiste qu'elle soit, l'histoire pousse le spectateur à admirer d'autant plus ceux qui aidèrent à la création du monument qui éclot pendant le film. 

L'interprétation magistrale d'Olivier Gourmet (une fois de plus) dans le rôle de Coquelin est sans doute l'un des plus beaux atouts du film, au point qu'il vole souvent la vedette à Thomas Solivérès, dans le rôle titre (pourtant fort convaincant). En vieux cabot qui touche enfin le rôle de sa vie (et contribue parfois à le créer), Olivier Gourmet prouve ici, s'il en était besoin, qu'il est un acteur sur lequel on peut monter un grand film. 

On ne peut que regretter que "Edmond" n'ait pas séduit plus de spectateurs. En décrivant ce qui se passe de l'autre côté du rideau et en mettant la lumière sur un créateur plutôt que sur sa créature, il optait pour une démarche dynamique et souvent amusante. Il aurait mérité plus de succès, sans l'ombre d'un doute...

 

Nevada (2019)

Le cheval, plus noble conquête de l'homme, a très tôt fait partie du cinéma, relégué au rang d'accessoire, voire de second rôle. Quand certains films en firent leur élément central (je songe évidemment à "L'homme qui murmurait à l'oreille des chevaux", par exemple), témoignant de la place à part de cet animal. Laure de Clermont-Tonnerre avec "The mustang", renommé "Nevada" pour sa sortie française, a mis le cheval au centre de son film. Malgré un joli succès critique et quelques récompenses (notamment du côté du festival de Sundance), ce film n'a pas eu un succès immense dans l'hexagone. 

Incarcéré au Nevada, Roman s'est enfermé dans le mutisme et la violence. Même les visites de sa fille ne peuvent le sortir de son enfermement. Quand il intègre un programme de réhabilitation, où il devra dompter les plus sauvages des mustangs, Roman va devoir avant tout apprendre à communiquer et à contrôler sa rage.
Le cheval qui lui est confié est, lui aussi, emprisonné là, et indomptable.
Lequel des deux apprivoisera l'autre ?

Il y a quelque chose du western dans ce film où l'homme et le cheval cherchent à s'apprivoiser, et à retrouver leur liberté. Pour son premier long métrage, Laure de Clermont-Tonnerre, la réalisatrice, choisit pour raconter ce parcours, un mix inattendu. Le choix s'avère payant, le résultat donnant un film qui accroche son spectateur et ne le lâche plus ou presque. Un scénario simple, mais pas simpliste, qui aurait même sans doute gagné à être épuré (l'amorce d'intrigue secondaire relative au compagnon de cellule du héros n'apporte rien), et surtout de très belles images, alimentant une belle histoire humaine, voilà les composantes de "Nevada". 

Mathias Schoenaerts, tout en silences et en violence rentrée, donne ici la démonstration de son talent, dans un rôle qui aurait facilement pu sombrer dans la caricature. Le film repose presque exclusivement sur ses épaules, mais il n'écrase pas de sa présence les seconds rôles. On soulignera au passage les prestations toutes en équilibre de Bruce Dern, en éleveur bourru et de Jason Mitchell en compagnon de réclusion du héros. Dans l'ensemble, le casting est une réussite et apporte au film la dose d'humanité nécessaire. 

Loin d'être un énième film sur l'univers carcéral, "Nevada" raconte une rédemption, un morceau de vie. On pourra le taxer de naïveté, voire de candeur, mais c'est avant tout d'humanité qu'il traite. Le procédé est simple, qui met l'homme face à l'animal pour exprimer ses tourments, mais il fonctionne, n'étant utilisé ni avec lourdeur ni avec complexité. 

Voilà une belle surprise que ce film sur la rédemption et la liberté. Avec "Nevada", Laure de Clermont-Tonnerre livre un long métrage réussi dans un décor qu'elle avait déjà exploré dans "Rabbit", court-métrage remarqué au Sundance Festival. Sous le parrainage de Robert Redford (entre autres), la réalisatrice réussit son galop d'essai. Gageons qu'elle ne s'arrêtera pas en si bon chemin...

Damien veut changer le monde (2019)

Délit de solidarité : voilà une drôle de formule, complètement antinomique, et pourtant bien révélatrice de notre sale époque. C'est autour de cette notion que Xavier de Choudens, réalisateur ayant essentiellement œuvré au petit écran (notamment pour "Scènes de ménage") a construit "Damien veut changer le monde". Passé sous les radars de pas mal de monde, ce petit film mettait en vedette Franck Gastambide, pourtant bankable dans d'autres registres. 

Si ses parents furent d'ardents militants de toutes les causes qui leur semblaient justes, Damien n'a pas la même foi. Pourtant, lorsqu'il découvre qu'un des enfants qu'il surveille, dans son établissement scolaire de banlieue, est sur le point d'être expulsé avec sa mère, parce qu'il est sans papiers, Damien a une illumination. Il va reconnaître le petit garçon, en partie parce qu'il veut empêcher son expulsion, en partie parce qu'il n'est pas insensible au charme de sa maman. L'air de rien, Damien s'engage dans quelque chose qui va vite le dépasser...

Il plane sur ce film l'ombre de ceux de Michel Leclerc (on pense évidemment au "Nom des gens", petit bijou du cinéma français), l'ambition d'aller marcher sur les plates-bandes toutes britanniques du cinéma social et l'intention du militantisme. L'intention est là, généreuse et humaine, et elle est tout à l'honneur du réalisateur, Xavier de Choudens, qui tente sa première comédie sociale. Pourtant, après visionnage, il faut se rendre à l'évidence : "Damien veut changer le monde" n'a ni l'épaisseur, ni l'impact que peuvent avoir certains fleurons du genre. C'est un bilan bien léger qui est à porter au crédit de ce film. Faute d'explorer totalement ses thématiques et préférant souvent se diriger vers la comédie que vers le film social, le scénario de "Damien veut changer le monde" ne fait qu'affleurer son thème et ne le creuse jamais. 

C'est d'autant plus dommage qu'il y avait matière à raconter, tant il y a d'humain derrière ces drames qui se jouent quotidiennement. Faute de faire de vrais choix de thèmes, Xavier de Choudens ne convainc pas, malgré un casting plutôt réussi. Si je dois reconnaître, malgré mes réticences initiales, que Franck Gastambide se glisse sans mal dans le rôle de cet engagé malgré lui, c'est un vrai plaisir de retrouver à l'écran la divine Melisa Sözen (déjà remarquée dans "Le bureau des légendes"), ainsi que le surprenant Gringe, dans le rôle comique du film. 

S'il ne s'était efforcé de faire de son film un feel-good movie, denrée pourtant fort appréciable en ces temps troublés, Xavier de Choudens aurait pu réussir un joli film social à la française, de ceux qui font sourire et donnent à réfléchir. Dans le cas de "Damien veut changer le monde", il ne crie pas assez fort son message pour que celui-ci porte. 

Fête de famille (2019)

 

La famille : voilà un thème qui a nourri (et nourrira encore) maintes œuvres. Le cinéma n'est pas épargné et on ne compte plus les films qui traitent des rapports parfois compliqués entre celles et ceux d'un même sang. Cédric Kahn s'est offert un beau casting (et l'un des rôles principaux) pour "Fête de famille", sorti récemment et n'ayant attiré que peu de spectateurs, malgré de bonnes critiques. Regardons dans le rétroviseur, et jetons un œil à ce film.

Pour son anniversaire, Andréa réunit ses trois enfants, leurs compagnes et leurs enfants, dans sa grande maison. Elle aimerait que tout le monde soit heureux, autour d'elle. Quand Claire, sa fille aînée, reparaît, ses valises à la main, après trois ans d'absence, ce qui devait être une fête vire au règlement de comptes. La famille d'Andréa tiendra-t-elle le choc ? Ou explosera-t-elle sous le choc des révélations, des 

Inutile de tourner autour du pot : "Fête de famille" n'est définitivement pas une comédie comme le cinéma français en pond ad nauseam. C'est un film dramatique et ancré dans le réel (même si je doute que le Français moyen puisse ne serait-ce qu'espérer loger dans la très belle maison où vit le personnage de Catherine Deneuve). Autour de la mère aimante, l'axe central de ce film intimiste, gravitent les fortes personnalités des trois enfants, incarnés par Emmanuelle Bercot, magnétique, Vincent Macaigne, encore une fois épatant et Cédric Kahn lui-même. Chacun de ses trois enfants vient avec ses bagages et son parcours, dont on ne peut que deviner ce qu'il fut, et le frottement des trois personnalités est des plus explosifs. Pour autant, on se demande à maintes reprises comment cette famille, si éprouvée par les scènes de colère et ayant sans doute déjà vécu de nombreuses tempêtes, peut encore tenir et comment Andréa et les siens peuvent passer sans transition d'un éclat violent au dessert d'anniversaire. Si vous voulez mon avis, dans le monde réel, pareil clan aurait déjà volé en éclats et la matriarche fêterait seule son anniversaire. 

Cette incongruité mise à part, il faut reconnaître à Cédric Kahn un vrai talent pour mettre en scène les retrouvailles de cette famille résiliente. Evoquant parfois les grandes heures de Claude Sautet (notamment avec son utilisation de la pluie comme élément révélateur), le cinéaste s'attache à ses personnages et à leurs travers, nous empêchant de les aimer totalement, mais nous aidant à les comprendre. Les excès dont il fait preuve à travers eux empêche cependant le spectateur de totalement accepter la proposition. C'est dommage, d'autant plus que l'ensemble est remarquablement interprétée (Catherine Deneuve a rarement été aussi convaincante, ces dernières années). 

Les histoires de famille peuvent parfois verser dans le drame. Celle qui nous est contée là y navigue en quasi-permanence, mais ne s'arrête pas pour autant. Si vous êtes clients d'un cinéma où les personnages souffrent, se relèvent et chutent de plus haut encore, le film de Cédric Kahn pourra vous séduire. Dans les autres cas, cette "Fête de famille", finalement bien peu festive, peut vous rebuter. 

 

Deux moi (2019)

De "Poupées russes" en "Auberge espanole", Cédric Klapisch avait un temps délaissé Paris, pourtant sa ville de coeur, où il avait planté sa caméra maintes et maintes fois à ses débuts. En choisissant d'y revenir avec "Deux moi", il n'a pas rencontré le même succès qu'autrefois. L'ultra-moderne solitude au temps des réseaux sociaux était pourtant un thème dans notre époque et, porté par François Civil et Girardot (déjà au générique de "Ce qui nous lie", le précédent opus de Klapisch, "Deux moi" méritait-il cet accueil frileux ?

Sans se connaître, Mélanie et Rémy, tous deux trentenaires, sont quasiment voisins. Ces jeunes Parisiens éloignés de leur famille, vivent seuls, malgré qu'ils soient connectés au monde entier, par la force des applications qui envahissent leur vie. Chacun suit sa route, chacun cherche sa voie, faite de jolis moments et d'épreuves venues du passé. A la fois si loin et si proches, Rémy et Mélanie sauront-ils se trouver et se retrouver eux-mêmes ? Sauront-ils trouver leur chemin, dans la grande ville ?

Par instants, Cédric Klapisch évoque, peut-être malgré lui, ses premières tentatives, notamment lorsque chacun cherche son chat, ou que les deux protagonistes se croisent sans se voir dans une boutique pleine de la vie et de l'optimisme dont étaient remplis les premiers opus de Cédric Klapisch. La patte du réalisateur, qui porte sur ses personnages un regard tendre, est tangible. Dans ce film simple, qui pourrait être défini comme une comédie romantique pas drôle, souvent mélancolique, celui qui nous ravit autrefois avec "Un air de famille" ou "Le péril jeune" se perd parfois à vouloir expliquer les failles et les faiblesses de ses personnages. En greffant sur ce conte urbain deux quêtes personnelles, personnifiés par les analystes qui suivent Rémy et Mélanie, Klapisch épaissit certes son intrigue, mais rend son film plus convenu et passe-partout que ce à quoi on pouvait s'attendre. 

Heureusement, ce conte moderne, qui montre que les rencontres sont avant tout l'affaire d'êtres humains plus que d'applications, dispose de jolis atouts qui l'empêchent d'échouer. Ce sont tout d'abord ses interprètes qui rendent "Deux moi" intéressant et agréable à suivre : François Civil, très prolifique ces derniers temps (même si ses choix ne sont pas toujours heureux) et Ana Girardot, particulièrement émouvante, incarnent avec sensibilité des personnages taillés sur mesure pour eux. Accompagnés par des seconds rôles savoureux (le grand Zinedine Soualem, fidèle du réalisateur, ou Simon Abkarian, en épicier enthousiaste) ou plus convenus (Camille Cottin ou François Berléand, en thérapeutes), les deux héros de cette romance aux temps des réseaux sociaux méritent à eux seuls le visionnage du film. La bande originale, comme souvent avec Cédric Klapisch, est particulièrement soignée et plaisante à l'oreille, tandis que l'esthétique générale du film réussit à rendre Paris particulièrement beau et cinégènique (on est dans la fiction, donc). 

Voilà un joli petit film, qui n'évite pas certains écueils, mais s'avère plutôt en phase avec son époque. Pour qui apprécie le cinéma de Cédric Klapisch, "Deux moi" est évidemment à voir. Pour les autres, il s'agira d'un moment plaisant de cinéma, même s'il ne sera sans doute guère mémorable. 

Les éblouis (2019)

Sarah Suco, comédienne remarquée dans "Discount" et "Les invisibles", nous a livré l'an dernier un film en grande partie de son parcours de vie. Dans "Les éblouis", salué par une bonne partie de la critique, elle racontait comment une famille entrait sous l'emprise d'une communauté sectaire, en prenant le point de vue d'une des enfants de cette famille. Sans qu'on puisse le qualifier d'échec (mais étant sorti en même temps que quelques poids lourds du septième art), ce film m'a suffisamment interpellé pour qu'un coup de projecteur soit jeté sur lui. 

Camille est l'aînée des quatre enfants de Christine et de Frédéric. Ces derniers décident un jour d'intégrer une communauté religieuse, parce qu'ils retrouvent en elle leurs valeurs et leurs idées. Peu à peu, eux et leurs enfants vont vivre différemment. Ainsi, Camille va devoir abandonner le cirque où elle s'épanouissait jusque là. 

Eblouis qu'ils sont par la communauté de la Colombe et son chef spirituel, les parents de Camille entrent peu à peu dans un autre monde. Eblouie qu'elle est par l'amour de ses parents, Camille les suit, dubitative et fascinée, aveuglée par la lumière.

Le personnage de Camille, remarquablement interprété par la jeune et très talentueuse Céleste Brunnquell, doit beaucoup à Sarah Suco. Cette dernière a choisi, pour raconter cette histoire qui fut en partie sienne, de se placer à hauteur d'enfant. C'est sans doute le meilleur choix qui soit, car il donne au film une force qu'il n'aurait sans doute pas eu autrement. Le propos de la réalisatrice, validé par son expérience, est magnifié par l'interprétation. Souvent lumineux autant que dramatique, "Les éblouis" est à la fois un grand film et un témoignage émouvant. 

Très tôt, le malaise s'installe, prenant racine dans le quotidien et dans les failles intimes d'une famille comme tant d'autres, dont on se dit qu'elle pourrait nous être voisine. Loin de tout manichéisme, le scénario des "Eblouis", co-signé par Nicolas Silhol (réalisateur de "Corporate") est à la fois juste et touchant, en épargnant de poser un jugement sur cette famille qui s'éblouit, puis s'aveugle. Pour donner vie aux protagonistes de cette histoire qui fait froid dans le dos, parce que proche de nous, la jeune réalisatrice réunit un casting parfait : de la formidable Céleste Brunnquell au génial Jean-Pierre Darroussin glaçant dans le rôle du berger-gourou, en passant par Camille Cottin (qui touche sans doute ici son plus beau rôle) et Eric Caravaca, en mari se laissant dépasser, pour ne citer qu'eux, tous sont irréprochables.

Pour un premier long métrage, Sarah Suco réussit un (presque) sans-faute. En osant se frotter à un sujet qui ne lui était pas étranger, elle trouve le ton juste et la meilleure façon de filmer. Il y a longtemps que le cinéma français ne nous avait donné pareille réussite, sur un sujet plus que risqué. 

Primal (2019)

 

Qu'est-il arrivé à Nicolas Cage ? Celui qui fut l'un des acteurs marquants de sa génération semble désormais se cantonner aux direct-to-video, comme s'il avait choisi la quantité aux dépens de la qualité. On ne compte plus les films dans lesquels il tient le premier rôle et qui échappent (souvent volontairement) aux circuits traditionnels. "Primal" fait partie de ceux-ci et, lors d'une de ses récentes diffusions, j'ai visionné ce film, pour en avoir le cœur net.

Trafiquant d'animaux sauvages, Frank Walsh embarque sur un cargo à destination des Etats-Unis, où il compte vendre sa précieuse cargaison, dont un rarissime léopard blanc. A l'embarquement, il découvre que le FBI sera du voyage, et escortera Richard Loffler, un tueur professionnel. Ce qui devrait arriver arriva : le méchant échappe à la surveillance de ses geôliers et, en pleine mer, commence à tuer tout le monde. En plus, il a ouvert les cages et il y a des animaux dangereux partout sur le bateau. Bonjour la galère.

L'improbable pitch de "Primal" a quelque chose d'un die-hard un peu tordu, dont le héros n'aurait ni la sympathie, ni la malice de John McLane. Coincés sur un bateau où la réalisation trop nerveuse pour être honnête perd souvent son spectateur, les protagonistes de ce huis-clos tournent vite en rond, comme ce navire qui approche de son but sans progresser. 

On pourrait s'amuser devant ce film, totalement dénué de logique (Pourquoi transférer un détenu dangereux par bateau plutôt que par avion ? Quel intérêt Loffler a-t-il à libérer les animaux ? Comment un producteur a-t-il réussi à monter ce film ?), mais tôt ou tard, on finit par se dire que la plaisanterie a assez duré. Nick Powell, pour son deuxième film après "Croisades", livre un film dont on a tout du long envie de se moquer, plutôt que de prendre plaisir à son visionnage. Ayant auparavant officié en tant que réalisateur de deuxième équipe auprès de Paul W.S. Anderson, il partait avec un sérieux handicap, si vous voulez mon avis. Si pareil modèle n'est pas de très bon augure, mieux choisir son scénario est souhaitable, à l'avenir. 

Les acteurs embarqués dans cette galère valent à peine mieux que les animaux qui pointent le bout de leur museau en images de synthèse de médiocre qualité, au point qu'on ne croie pas en leur existence. Famke Janssen, qui aurait mieux fait de ne pas toucher au botox, Michael Imperioli, échappé des "Soprano", tous sont victimes du même naufrage.

Un scénario bourré d'incohérences et de facilités, une réalisation digne d'un téléfilm de fin de soirée, des acteurs venus là pour le chèque, "Primal", avec son postulat incongru, partait mal et ne réussit jamais à convaincre, même les spectateurs venus pour s'amuser et plein d'indulgence.

Valhala (2019)

Pour beaucoup, Marvel étant passé par là, la mythologie nordique se résume aux affrontement entre Thor et Loki, sous l’œil unique d'Odin. Pourtant, les mythes venus du froid sont, comme souvent, bien plus riches, sans avoir été exploités dignement par le septième Art. En tombant récemment sur "Valhala", sans aucun a priori, j'ai voulu voir comment ce film venu du Nord (puisqu'il s'agissait d'une coproduction islandaise, danoise, suédoise et norvégienne) allait évoquer ce riche patrimoine.

Deux enfants, Røskva et Tjalfe, sont contraints d'accompagner Thor et Loki de Midgard (le monde des humains) à Asgard (celui des dieux), où se tient le Valhala, dirigé par Odin. L'heure est grave : le loup Fenrir, créature gigantesque, menace le Valhala et tout l'équilibre des mondes. Dans l'affrontement à venir, les deux enfants auront leur rôle à jouer.

Oubliez un instant la vision marvellienne des dieux nordiques. En adaptant la bande dessinée éponyme (quasiment introuvable en France, où elle n'a été que partiellement traduite), le réalisateur choisit de la transposer avec un ton sombre et sale, loin de la ligne claire originale. En contrepoint à cette approche esthétique, la présence de deux enfants comme héros de l'histoire peut décontenancer : quel est le public visé par cette adaptation ? Omniprésente au cours du visionnage, cette question est aussi le plus gros défaut d'un film pourtant sympathique. A vouloir toucher le jeune public comme celui rompu à des ouvres moins confortables, cette coproduction venue du Nord (le vrai, pas celui de Dany Boon) souffre de ne savoir sur quel pied danser. 

Fenar Ahmad, en charge de la réalisation, endosse pour son troisième long métrage (après "Ækte vare" et "Darkland", tous deux restés au Danemark, son pays d'adoption) une lourde responsabilité : adapter une oeuvre littéraire avec toutes les contraintes que l'exercice comporte et évoquer une mythologie riche et souvent mal comprise. Si l'on ajoute à cela un budget sans doute ridicule, comparé à celui du premier blockbuster venu, la barre était placée haut. Au vu du résultat, Ahmad n'a pas à rougir de ce "Valhala", aussi maladroit soit-il par moments. 

Forcément, on entrevoit, à plusieurs reprises, les modèles cinématographiques convoqués par Fenar Ahmad. Sans atteindre le lyrisme du "Seigneur des Anneaux" (et la comparaison ne serait pas justifiée), certaines scènes témoignent d'une vraie ambition, et on peut imaginer ce qu'un budget plus conséquent aurait pu donner. 

On pardonnera donc au film ses quelques maladresses, notamment celle qui consiste à parachuter des personnages sans expliquer qui ils sont et d'où ils viennent.

Malgré un évident manque de moyens, une vraie sincérité émane de "Valhala". Pour imparfait qu'il soit, ce film est cependant une réussite, qui aura également le mérite d'évoque le panthéon nordique mieux que certains films avec des héros-en-collant dedans.

Le prince oublié (2019)

 

Réussir un film capable de réunir plusieurs générations n'est pas chose aisée. Dans la catégorie "cinéma familial", on trouve bien souvent des films (d'animation ou pas) ciblant les enfants et faisant en sorte que les parents y trouvent aussi (un peu) leur compte. Mais l'équilibre n'est pas toujours atteint et souvent, seule une partie du public trouve satisfaction. En réalisant "Le prince oublié", Michel Hazanavicus (qu'on ne présente plus, après le triomphal "The artist", récompensé à plusieurs reprises) tentait l'exercice. Avec au casting les très bankables Omar Sy et François Damiens, il mettait toutes les chances de son côté. Cependant, ce ne fut pas le triomphe espéré. la faute à qui ?

Élevant seul sa fille Sofia, Djibi lui raconte chaque soir une histoire dont le héros est un prince ayant son apparence.  Lorsque Sofia, ayant grandi, entre au collège, elle ne réclame plus à son père l'histoire du soir. Le prince auquel elle rêve est un de ses camarades de classe, Max. C'est le drame pour Djibi, qui voit sa fille lui échapper et pour le prince des contes, qui risque l'oubli. 

Avec l'assistance de Clotilde, sa voisine, Djibi décide de redevenir le héros de Sofia. Mais le temps des histoires est passé, pour cette dernière.

Le thème porté par le scénario de Bruno Merle est à la fois simple et riche et c'est de ce matériau qu'on peut faire de grands films. On pense évidemment à "Vice-versa", le joyau animé proposé par Pixar il y a quelques années, dans lequel les émotions avaient fort à faire dans l'univers intérieur de la petite fille au centre de l'histoire. Ici, le film multiplie les allers-et-retours entre le monde réel et le pays imaginaire où sont mis en scène les contes narrés par Djibi. C'est la partie la plus ambitieuse du film, qui témoigne d'une véritable ambition visuelle et d'un vrai talent de réalisateur de la part de Michel Hazanavicius. Il y a longtemps qu'on n'avait pas vu pareille tentative d'emmener le spectateur hors des sentiers battus, en se donnant les moyens d'être à la hauteur du rêve. 

C'est dans la partie la plus terre-à-terre du film que "Le prince oublié" s'enlise un peu. L'affrontement entre Djibi et sa pré-ado de fille est un parcours sans surprises, jalonné de scènes auxquelles on s'attend et dont la résolution ne surprend finalement personne. Sans doute la catégorie "familiale" dont se revendique le long métrage empêche-t-elle tout bouleversement inattendu, cela dit et on peut facilement être magnanime, tant l'enthousiasme de l'équipe, Omar Sy en tête, est communicatif. Se prêtant de bonne grâce au jeu, les comédiens prennent parfois le spectateur par la main pour l'emmener sur un chemin très balisé, mais plutôt agréable à parcourir. 

Le jeu d'équilibriste que joue "Le prince oublié", consistant à capter à la fois l'enfant et l'adulte, tout en n'oubliant pas le pré-ado, joue sans doute en sa défaveur. Il ne s'agit ni d'un film pour enfants, ni d'un conte pour les parents. C'est un film familial qui permet de passer un bon moment, même s'il ne marquera pas les mémoires. 

Mon inconnue (2019)

 

On ne compte plus les déclinaisons de comédie romantique, plus ou moins réussies. C'est, je crois, l'un des registres les plus représentés sur ce blog, d'ailleurs. Après avoir longtemps méprisé le genre, le cinéma français s'en est emparé, avec plus ou moins de bonheur et plus ou moins de succès. L'an dernier, Hugo Gélin (déjà repéré pour le très touchant "Comme des frères" et ayant reçu un vrai succès public avec "Demain tout commence") proposa "Mon inconnue", porté par François Civil et Joséphine Japy. Cette fois, ils furent peu nombreux dans les salles. 

Raphaël, lycéen, est timide et se réfugie dans son imaginaire, écrivant des romans en secret. Un soir, il entend la musique que joue Olivia au piano. Le coup de foudre est immédiat. 

Quelques années de mariage plus tard, alors que Raphaël est devenue romancier à succès, une violente dispute éclate entre Olivia et Raphaël. Lorsque, le lendemain, ce dernier se réveille, il découvre avec effroi qu'il n'a jamais rencontré Olivia. Avec l'aide de son collègue et ami Félix, le seul à le croire, Raphaël va tout faire pour (re)conquérir celle qui est la femme de sa vie, cette inconnue. 

S'il est un mot qui peut définir rapidement "Mon inconnue", après visionnage, et le distinguer de la masse des romcoms produites par les studios, d'un côté ou de l'autre de l'Atlantique, c'est l'élégance. Qu'il s'agisse des décors, des dialogues ou de la réalisation, il émane de ce film une sorte de classe, un soupçon de grâce, qui le caractérise et s'avère plutôt agréable.

Cela dit, "Mon inconnue" reste une comédie romantique respectant les critères imposés du genre et, en cela, ne bousculant pas trop son spectateur. L'apport du fantastique, élément déjà utilisé avec succès dans certains canons du genre, se fait en douceur et c'est plus du côté de l’interprétation qu'on peut juger de sa réussite (car c'en est une, indéniablement).

Élégante comédie romantique avec un soupçon de fantastique, "Mon inconnue" vaut surtout pour la qualité de son interprétation et, en particulier pour la prestation ébouriffante de Benjamin Lavernhe, dans un second rôle, mais qui irradie les scènes où il intervient. Auréolé d'une nomination (méritée) au César pour ce rôle, il vole souvent la vedette à François Civil, pourtant très convaincant, et à la pétillante Joséphine Japy, formant le couple vedette de ce bonbon doux et sucré, fort agréable en bouche. On notera également la présence, dans son ultime rôle d'Edith Scob, l'héroïne des "Yeux sans visage" de Franju.

Il est des comédies romantiques mémorables, devenues les références du genre. Il en est des mineures, qu'on regarde et qu'on oublie. Avec ce troisième film, Hugo Gélin pourrait bien avoir réussi à se classer pas très loin de la première catégorie. Chapeau !

Andy (2019)

De temps en temps, un petit film léger, cela peut être salutaire. Que ce soit pour s'aérer l'esprit ou pour mettre son cerveau de côté, il nous arrive à toutes et tous d'avoir envie de moins de gravité. Aussi, quand une affiche semble promettre de rire, fût-ce aux dépens de son héros, on peut se laisser tenter. Malgré une affiche promettant un film tournant autour du personnage incarné par Vincent Elbaz et restant dans le registre auquel celui-ci nous a habitués, "Andy", qui n'avait pas déplacé les foules lors de sa sortie, allait-il être une de ces pépites oubliées ? 

Mis à la porte pour la énième fois par une ex-petite amie, Thomas se retrouve à la rue, sans le sou. Ses parents, qu'il ne voit pratiquement plus, ne peuvent l'aider et Thomas se trouve contraint de se réfugier dans un centre d'hébergement, où il est accueilli par Margaux, une étrange jeune femme.  Comme il va lui falloir gagner sa vie et qu'il n'est pas fait pour travailler, Thomas se lance dans une drôle d'entreprise : il sera escort-boy et s'appellera Andy. 

Vincent Elbaz a souvent choisi des rôles proches, déclinant ad nauseam un personnage séduisant mais immature, comme on pu le voir (ou le déplorer) dans "Daddy Cool", par exemple. Le héros de "Andy" n'est guère éloigné de ses prestations habituelles : il pourrait s'agir du même homme, ayant échoué à force de nonchalance. Cela dit, il ne tire pas de leçons de ses errements et continue d'aspirer à la même existence, évitant le travail comme la peste bubonique et comptant sur sa bonne étoile et son physique pour se sortir de l'impasse. En ce qui concerne la remise en question, on repassera : "Andy" ne met guère son héros en grand péril et ce dernier continue de voir ses repères s'effondrer sans volonté de changement.

Comédie romantique avant tout, "Andy" se targue ainsi de marcher sur les plates-bandes du cinéma social. Mais, à trop courir de lièvres, on n'en attrape aucun. Les scènes utilisant le décor du foyer d'accueil sont trop peu nombreuses et n'impliquent pas suffisamment les personnages pour évoquer comme il faudrait cette réalité. Et que dire du traitement des parents du héros, incarnés par Brigitte Rouän et Jacques Weber, dont on entrevoit qu'ils auraient pu être mieux exploités, eux aussi ? Et ce n'est pas du côté de l'interprétation qu'il faut se tourner pour trouver de quoi apprécier ce film : Vincent Elbaz limite sa prise de risque à la légère brioche qu'il affiche, mais est sans arrêt rattrapé par le cliché devenu sien, celui de l'homme immature et irresponsable. Face à lui, Alice Taglioni convainc à peine, malgré la richesse potentielle de son personnage. 

Malgré un pitch de base qui, faute de promettre des surprises, pouvait donner lieu à un film agréable, "Andy", par manque de solidité et de fond, déroule paresseusement son fil et paraît plus long qu'il n'est vraiment. Ce n'est pas pour autant qu'il marquera les mémoires.

Je promets d'être sage (2019)

Vous, je ne sais pas, mais, lors de sa sortie, "Je promets d'être sage" est totalement passé à côté de mon radar. Je ne dois pas être le seul, parce que ce film n'a pas franchi la barre symbolique des 100 000 spectateurs en France. Pourtant, avec Léa Drucker et Pio Marmaï en tête d'affiche, le premier film réalisé par Ronan Le Page aurait sans doute dû attirer plus de spectateurs. Les astres n'étaient pas alignés, lors de la sortie de ce film, mais aurait-il mérité mieux ?

Quittant le monde du théâtre, où sa radicalité l'a mené au burn-out, Franck se retrouve gardien de musée et apprend à passer ses journées dans le silence et le calme. Il découvre vite que ses nouveaux collègues ont tous eux aussi leurs failles. Sybille, en particulier, ne semble guère l'apprécier et a ses petits secrets, que Franck va s'employer à découvrir.

Des personnages qui ne sont pas à leur place, qui portent des blessures les empêchant d'avancer, placés dans un cadre qui leur sied pas : voilà des composants qui font fortement penser au cinéma de Pierre Salvadori, l'un des plus remarquables cinéastes français (à mon sens). La présence au générique de Pio Marmaï, remarquable dans le dernier opus du créateur des "Apprentis", à savoir "En liberté !", ne fait que souligner la grande proximité de "Je promets d'être sage" avec son modèle. 

Certes, l'influence de Pierre Salvadori est évidente, au visionnage de "Je promets d'être sage", mais cela ne suffit pas à assurer la réussite de l'entreprise. Il y a trop de moments dans lesquels l'intrigue ne progresse pas, voire régresse, trop d'instants vides. On sent que l'on n'est pas passé loin de la réussite, mais le résultat final n'est pas à la hauteur de l'ambition initiale. N'acquérant jamais une identité propre, le film se contente d'avancer à vue, ne choisissant jamais entre intrigue dramatique ou fantaisie débridée (cette dernière option, la plus complexe, aurait, je pense, pu donner de grandes choses). 

Les comédiens, que l'on sent livrés à eux-mêmes, ne sauvent pas le film : Pio Marmaï, en roue libre, ne laisse qu'entrevoir ce qu'aurait pu être sa prestation, mais confirme une nouvelle fois tout le bien qu'on peut penser de son talent. Léa Drucker, en personnage blessé dont le passé aurait mérité d'être éclairci, s'en sort moins bien, faute d'un rôle mieux écrit. Derrière eux, les seconds rôles sont sans doute ceux qui s'en sortent le mieux, en particulier Mélodie Richard, en jeune femme exubérante mais à la sensibilité à fleur de peau, qui aurait mérité plus de place dans le scénario.

Voilà un film que j'aurais aimé aimer davantage, mais qui, faute d'une vraie identité et de choisir sa propre voie, se contente de ne pas faire de choix narratifs. Considérons que cette tiédeur est uniquement due au manque d'expérience de son réalisateur et que son prochain opus saura infirmer le diagnostic.

Roxane (2019)

S'il est avéré que la comédie sociale a écrit ses lettres de noblesse de l'autre côté de la Manche, force est de reconnaître que le cinéma hexagonal se permet quelques tentatives, pas toujours couronnées de succès. En s'emparant de thèmes d'actualité, comme les grandes difficultés que rencontrent nombre d'agriculteurs, quelques films ont fait parler d'eux (et parfois de la cause dont ils s'emparaient). De "Petit paysan" à "Un village presque parfait", il semblerait donc que le cinéma français tienne un filon, sans toujours savoir comment l'exploiter. Le cas de "Roxane" est assez représentatif : avec un casting qu'on aurait pu croire gagnant et un sujet en phase avec son époque, ce film n'a pourtant pas séduit le public.

Raymond, éleveur de poules pondeuses, a un secret : chaque jour, il lit à ses poules, dont Roxane, qui le suit partout, des pièces de théâtre. Quand la coopérative qui le nourrit décide de rompre leur contrat pour se tourner vers un gros producteur, Raymond et ses confrères sont en plein désarroi. Alors que certains renoncent, Raymond, accompagné de la fidèle Roxane, décide de faire le buzz, comme on dit. Qui ne tente rien n'a rien et, sous le regard effaré de son entourage, l'éleveur choisit de s'exposer.


En greffant un problème social bien réel (hélas !) avec un moyen inattendu de s'accomplir (souvenez-vous des strip-teaseurs de "The full monty", par exemple), la comédie sociale a souvent fait mouche, sans cependant changer les choses. La recette est ici sagement appliquée au malaise agricole et la réalisatrice, Mélanie Auffret, choisit la voie du feel-good movie pour "Roxane", pour son premier film. On sourit donc parfois, même si le drame pointe de temps en temps le bout de son nez, sans cependant avoir le temps de plomber l'ambiance.

Film léger, "Roxane" tourne parfois un peu en rond et bégaie ses arguments, perdant du coup de son impact. C'est dommage, car il y avait matière à nourrir un long métrage plus épais, si vous voulez mon avis. Servi par des comédiens convaincants, mais n'ayant pas suffisamment de substance pour nourrir leurs personnages, "Roxane" offre à Guillaume de Tonquedec un rôle qui aurait pu être grand, tout en oubliant parfois celles et ceux qui sont derrière. On ne peut néanmoins pas lui jeter la pierre, tant il suscite l'empathie : on aime cette campagne-là et on a envie d'aimer ce film, malgré tous ses défauts. 

Pas tout à fait réussi, mais pas complètement raté non plus, "Roxane" acquiert, dès le début, un capital-sympathie qu'il ne perd jamais. En utilisant sagement les codes du genre, il réussit sa mission, sans cependant se faire remarquer. C'est déjà ça de pris.

Quand on crie au loup (2019)

L'histoire de l'enfant qui criait au loup est un joli conte et, à lire le titre du deuxième film de Marilou Berry (après "Joséphine s'arrondit"), on pouvait espérer une bonne surprise. En voyant l'affiche du film, il y avait, certes, de quoi être refroidi, tant s'annonçait une comédie familiale pas forcément finaude. Mais, n'écoutant que mon devoir et continuant de croire que, tel l'habit ne faisant pas le moine, l'affiche pouvait cacher un chouette film, j'ai visionné pour vous "Quand on crie au loup" (qui, avec 35 000 entrées, avait pris une sévère déculottée lors de sa sortie).

Victor vit avec son grand-père, gardien d'immeuble, depuis la mort de ses parents, et a l'imagination fertile. Plus d'une fois, les pompiers ou les policiers se sont déplacés parce qu'il était persuadé d'avoir vu un voleur ou un début d'incendie. Mais, à force de crier au loup, plus personne ne le croit et, quand de vrais braqueurs se réfugient dans l'immeuble, il est seul pour les affronter. 

Se référant, pour ses influences, aux classiques que sont devenus des films comme "Les Goonies", "ET" ou "Big" (oui, carrément), Marilou Berry louche plutôt du côté de "Maman j'ai raté l'avion". Comptant sans doute capitaliser sur le retour en grâce des eighties (qui, si vous voulez mon avis, n'étaient pas si glorieuses que cela et sont enjolivées par le vernis nostalgique), la réalisatrice choisit donc de cibler un jeune public. Les adultes de l'histoire sont souvent idiots et ne représentent pas de vraies menaces pour les jeunes héros qui sont, eux, rusés et débrouillards. Alors que le cadre familial du héros (pour ne citer qu'un exemple) autorisait un traitement digne de ce nom, aucune vraie gravité ne s'installe jamais. Du coup, on peine à croire aux aventures de Victor, aux prises avec un gang de bras cassés (dont on se demande comment ils ont réussi un braquage).

Ce n'est pas parce qu'un film se destine à un jeune public qu'il doit être idiot. Il ne faut pas prendre les enfants pour des imbéciles, pour le dire autrement. Avec "Quand on crie au loup" et son cortège de personnages auxquels on peine à croire et pour lesquels il est difficile d'avoir de la sympathie, Marilou Berry rate son coup, là où (presque) n'importe quel film de l'époque évoquée réussissait son tour. 

Les quelques instants touchants de "Quand on crie au loup" sont, hélas, torpillés par un scénario au ras des pâquerettes et un traitement bâclé. Ce n'est hélas pas l'interprétation qui sauve le film, tant les acteurs sont prisonniers de leurs personnages, caricaturaux et antipathiques. 

Il existe quantité d'autres comédies dites "familiales", des années 80 et d'autres décennies, plus réussies et méritant le (re)visionnage. "Quand on crie au loup" n'a pas fait forte impression lors de sa sortie et sera vite oublié : c'est tout ce qu'il mérite, hélas. 

IO (2019)

Signe des temps ou opportunisme ? Les films traitant de la fin du monde se multiplient, en même temps que se posent les questions (légitimes) de la survie des espèces et de l'état (navrant) de notre pauvre planète. Netflix, jamais en retard quand il s'agit d'exploiter un filon juteux, a récemment mis en ligne "IO", réalisé par le français Jonathan Helpert. Ce film aura sans doute échappé à pas mal de spectateurs potentiels. Penchons-nous un instant sur ce qu'il nous proposait. 

Cela devait arriver : la Terre est devenue inhabitable et des vaisseaux ont emmené les survivants en orbite autour de Io, le satellite de Jupiter. Restée sur Terre, Sam explore chaque jour les ruines de la civilisation pour tenter de comprendre comment la vie pourrait reprendre. Alors qu'elle est rejointe par Micah, un autre survivant, et que le dernier transport à destination de l'espace est annoncée, Sam voit sa détermination vaciller : doit-elle rester ? Ou vaut-il mieux fuir, comme le reste de la population ? 

Le pitch du film fait penser à celui des "Survivants", récemment chroniqué dans ces colonnes. Cependant, c'est un tout autre traitement auquel il a le droit. Se concentrant sur ses deux protagonistes principaux et limitant sa part d'effets spéciaux, "IO" cherche à enraciner son intrigue dans un réalisme scientifique et à poser des questions sur le devenir de l'humanité. Pourquoi pas ? Le cinéma (mais Netflix produit-il du cinéma ?) fait partie de ces médias qui peuvent interroger le spectateur en plus de le distraire. 

Le problème de "IO", c'est qu'il n'exploite jamais judicieusement le matériau dont il dispose. Évoquant un instant la survie des derniers habitants de la Terre, le scénario se dirige ensuite vers le sauvetage perdu d'avance de l'atmosphère et de la vie sauvage, avant de s'embarquer dans un pseudo-débat sur les choix s'offrant (ou pas, d'ailleurs) à l'héroïne et son compagnon d'infortune. Cela donne à l'ensemble du film un ton artificiel, parfois prétentieux, mais ne le fait jamais quitter le plancher des vaches (encore qu'il ne doive pas en rester beaucoup, des vaches). 

Pour incarner l'héroïne, Margaret Qualley (récemment appréciée dans "Once upon a time in Hollywood") fait de son mieux, mais on ne peut s'empêcher de penser que "IO" joue de la visibilité toute récente de l'actrice. Face à elle, Anthony Mackie (l'un des Avengers, comme environ la moitié de la population d'Hollywood) paraît parfois désemparé, comme s'il ne savait que faire du rôle qu'on lui a confié : est-il un "bon", un "méchant", ou juste un être humain perdu ? La question reste posée, même après le visionnage du film (qui semble parfois bien long). 

Désespérément plat, alors qu'il convoque les étoiles, "IO" ne décolle jamais. On pourrait incriminer un manque d'ambition ou de budget, mais c'est aussi la faute à un scénario qui cloue ses personnages au sol et ne leur permet jamais de s'élever. 

Venise n'est pas en Italie (2019)

On a tout lieu de se lamenter sur l'état actuel de la comédie française. A-t-elle changé à ce point, que seuls ses représentants les moins fins (je suis sûr que des noms vous viennent à l'esprit) décrochent la timbale, en termes d'audience ? Ou fais-je partie de ces nostalgiques d'un "avant" enjolivé ? Ivan Calbérac a déjà eu droit à un article sur ce blog pour "Irène", gentille comédie romantique menée par Cécile de France. Cette fois, c'est "Venise n'est pas en Italie", adaptation de son propre roman, qui, malgré une presse favorable, ne reçut pas le succès public attendu. 

Emile a une drôle de famille. Entre sa mère, qui vend des paniers bio et lui décolore les cheveux pour qu'il soit plus beau et son père, qui chante fort au volant et joue les VRP, ce drôle de clan vit en caravane en attendant que la construction de la maison familiale puisse avancer. 

Parce que la fille qui le fait craquer, au collège, l'invite à la voir en concert, à Venise, Emile se retrouve sur la route, avec cette encombrante famille dont il a parfois honte. Commence alors un drôle de voyage en caravane. 

Vous l'aurez compris, c'est à un road-movie familial qu'on a affaire ici. "Venise n'est pas en Italie" n'est pas le premier du genre mais il faut bien avouer qu'il ne démérite pas. Aussi étonnant que cela paraisse, cette comédie familiale est bien plus drôle que nombre de films français sur le même créneau. Je songe évidemment à certains films qui drainèrent dans les salles des millions de nos concitoyens, sans me tirer un éclat de rire (mais je suis peut-être un monstre froid, allez savoir). 

Même si ce n'est pas un grand film, "Venise n'est pas en Italie" a pour lui une chaleur qui fait du bien. Irène", par exemple : il ne fait pas rire aux dépens de ses personnages (le travers de nombre de comédies, si vous voulez mon avis), mais rend ceux-ci attachants autant qu'ils peuvent se montrer agaçants. A l'image d'Emile, le spectateur est d'abord agacé par la fantasque famille menée par Benoît Poelvoorde, puis s'attache à elle. Joli tour de force, si vous voulez mon avis. Avec cette petite comédie, Ivan Calbérac confirme ce qu'on avait déjà perçu dans "Irène" et "Une semaine sur deux (et la moitié des vacances scolaires)" : il aime ses personnages et sait les faire aimer du public.

Doté d'un réel équilibre et porté par des comédiens convaincants (Benoît Poelvoorde touche ici l'un de ses meilleurs rôles depuis longtemps et les jeunes acteurs du casting pourraient en remontrer à quelques acteurs plus installés), "Venise n'est pas en Italie" est une bonne surprise. Pour une comédie française, c'est étonnant. Même s'il ne s'agit pas d'un film incontournable, "Venise n'est pas en Italie" méritait mieux que le sort qui fut le sien lors de sa sortie dans les salles obscures. Grâce à ses personnages et à la façon dont le réalisateur les traite, ce long métrage porte une chaleur et une sincérité salutaires.

Tolkien (2019)

Auteur du "Seigneur des Anneaux", sans doute le livre le plus célèbre de son siècle, créateur d'univers, John Ronald Reuel Tolkien est aujourd'hui l'objet de maintes attentions de la part des producteurs et du public (après des décennies de mépris, soit dit en passant). L'adaptation somptueuse et triomphale de son oeuvre maîtresse a ouvert la voie à tout un genre. Bientôt, c'est sous forme de série télévisée que le monde qu'il inventa sera exploité. Nul n'ignore plus le nom de Tolkien, mais, quand le biopic consacré à ses jeunes années sortit en salle, il y eut peu de monde. L'imaginaire serait-il plus séduisant que la réalité (la réponse est dans la question, cela dit) ?

Né en Afrique du Sud et revenu très jeune en Angleterre, le jeune John R.R. Tolkien devint très tôt orphelin. Élevé dans une pension de famille, où vit aussi la belle Edith dont il s'éprend vite, John réussit à intégrer la King's School où il impressionne ses camarades par son savoir. Avec ses trois meilleurs amis, il forme un cercle littéraire. Tout irait pour le mieux si nous n'étions en 1914 : la guerre éclate et, lors de la bataille de la Somme, Tolkien va vivre les pires heures de son existence. 

On sent, rien qu'à l'affiche, rien qu'à l'évocation du projet, que les producteurs de "Tolkien" ont voulu surfer sur la vague et attirer ceux que "Le Seigneur des Anneaux" et du "Hobbit" avaient séduits. Par contre, les moyens mis en oeuvre sont sans commune mesure. Le réalisateur, le Finlandais Dome Karukoski, n'a pas disposé de ce qui fut mis à la disposition de Peter Jackson. Cela dit, pour un biopic, où la fantasy à venir n'est présente que dans l'esprit de son héros, ce n'était pas forcément nécessaire.

Le décor dans lequel se déroule "Tolkien" est souvent gris, parfois sale et terriblement mortifère (les tranchées et leur enfer sur terre), mais ce parti pris de froideur et d'austérité est finalement salutaire. La créativité, l'intelligence et le savoir célébré par Tolkien et ses amis se fracasseront d'autant plus fort contre la mitraille. Incarné avec justesse et sans les excès qu'on pouvait craindre par Nicholas Hoult (vu dans "X-Men : le commencement"), le grand écrivain trouvera dans son parcours fait de souffrance et de savoir la matière première de son oeuvre.

Plus austère, parce que l'histoire qu'il décrit se déroule dans un monde courant droit vers le gouffre, "Tolkien" risque de décevoir ceux qui veulent voir jaillir la Terre du Milieu entre deux discussions littéraires et les serments d'amitié. Vous ne verrez point d'elfes, de nains, ou de combats contre quelque dragon dans ce biopic. La période qu'il couvre est essentiellement celle de la jeunesse de l'auteur et celle, plus dramatique, mais néanmoins fondatrice pour lui, qu'il passa dans les tranchées.  

Confronté à la mort et à la violence, John Ronald Reuel Tolkien écrivit plus tard un long récit narrant une guerre fantastique, celle où les hommes se dressèrent contre l'obscurité. Parfois, dans cette épopée, des fulgurances venues des tranchées rappellent qu'il souffrit, lui aussi et vit ses amis périr sous la mitraille.

Paradoxalement, le film de Karukoski est peut-être à réserver à ceux qui admiraient l'auteur avant qu'il ne devienne mainstream, ou à ceux qui ignorent tout de son oeuvre et veulent découvrir une histoire de vie.